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비오(BE’O) ‘Counting stars (Feat. Beenzino)’ (2021)

평가: 3/5

올해 < 쇼미더머니 10 >의 최종 우승자는 조광일이었지만 그 못지않은 출세를 거둔 래퍼는 2000년생 신예 비오였다. 프로듀서의 간택을 고대하는 2차 예선 무대에서 부른 ‘Counting stars’가 대중의 눈도장을 포획, 삽시간에 인터넷을 뜨겁게 달구며 일찌감치 성공을 예고했다. 밤하늘에 뜬 별처럼 영롱한 멜로디에 홀린 래퍼들이 커버 영상을 속속 공개하며 입김은 더 빠르게 번졌다. 많은 이들이 기다리던 노래의 정식 음원화에 힙합 팬들의 반응이 열성적이다.

양산되는 여타 싱잉 랩 노래들과 비교해도 ‘Counting stars!’라 치고 들어오는 후렴구는 강렬하다. 트렌디한 톤이 장기인 비오의 보컬이 귀를 사로잡고, 새 아버지를 향한 애정을 녹여낸 빈지노의 버스(verse)가 도시적인 분위기를 배가한다. 경연 때의 청량하고 맑았던 목소리를 통화 음성처럼 먹먹하고 흐리게 중화한 믹싱은 논란을 부르고 있지만, 작위적인 강세나 고조가 없어서 좋다. 로파이한 무드에 편안하게 젖어 들 수 있는 노래다.

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메타버스 시대, 음악계에 던져진 궁금증과 과제들

메타버스는 대세일까, 가라앉을 거품일까. 누군가는 열광하고 누군가는 회의하는 기묘한 유행. 과연 새 시대의 문명이 맞을까. 한쪽은 끊임없이 의문을 던지는데, 반대쪽은 과거 혁신을 갈무리한 이들을 지적하며 그러한 태도를 시대에 뒤처진 마인드라 꼬집는다. 그러나 분명 뭔가 존재한다. 이미 국내외 언론은 메타버스로 떠들썩하고, 세계의 저명한 빅테크 기업들도 사랑에 빠진 걸 보니 말이다. 인터넷, 스마트폰에 이어지는 ‘세 번째 IT 사이클’이라는 말이 언뜻 타당해 보인다.

하지만 풀리지 않은 궁금증도 산적하다. 미래의 트렌드라고 하기에는 시간이 지나도 그 실체가 손에 잘 잡히지 않는 탓이다. 이유는 간단하다. 새로운 기술이 아니기 때문이다. 눈치챈 이들도 있겠지만, 메타버스는 우리가 기존부터 이용해오던 것들을 결합해 그 위에 이름을 붙인 상위 개념이다. 게임, NFT, VR, AR, SNS 등은 모두 메타버스라는 이름으로 통칭되고 있다. 메타버스를 공부하기 시작한 사람이라면 흔히 이런 혼란을 겪어봤을 것이다. ‘이것도 메타버스고, 저것도 메타버스고, 다 메타버스야?!’

이런 정의가 애매한 ‘무언가’의 상태에 놓여있는 메타버스이기 때문에 여러 의문을 해결하기 위한 더 많은 건설적인 질문이 요구된다. 음악계도 속속 산업에 참여하는 움직임을 보이니 눈에 띄는 변화를 위해 더 많은 물음을 던질 필요가 있다. 호기심 어린 낮은 자세로 살펴본다. 메타버스 시대에 음악계가 풀어야 할 과제는 무엇일까.

우선, 대중의 현저히 낮은 관심도다. 메타버스가 인터넷 인기 검색어로 떠오르고 관련 책이 베스트셀러로 팔리는 것은 사람들의 실질적인 참여도와 무관하다. 현재 K팝 신에서 가장 큰 인기를 구가하고 있는 SM의 걸그룹 에스파의 경우를 보자. 메타버스를 활용한 독특한 가상 아바타와 현실 멤버 교차 콘셉트로 주목받았지만, 이들의 승리를 그러한 초월적 설정 덕으로 보기는 무리다.

팬들은 이 가상 아바타가 어느 정도 ‘볼 만한 수준’에 이르렀으면 하는 바람을 피력한다. 야심 찬 구상에 비해 3D 모델링의 퀄리티는 꾸준히 질타를 받는 것이다. 현실에서 팬들과 소통하고 유대감을 형성하는 게 아이돌의 매력이자 기능이기에 AI 멤버에 반감을 느끼는 이들도 상당수다. 실제 멤버들의 인기에 비해 아바타의 역할은 이렇게 부수적인 정도에 머무르니, 메타버스 시대 K팝 그룹의 밑그림 정도의 의의에 만족해야 하는 실정이다.

이 외의 K팝과 메타버스 융합 사례도 유독 ‘팬 서비스’에 국한되는 모습이다. 블랙핑크가 네이버제트의 제페토에서 펼친 가상 팬 사인회처럼 팬들이 아니라면 집결하지 않을 콘텐츠만 즐비하다. 메타버스가 새 시대의 생태계라면 지지자를 넘어 대중까지 끌어당길 포섭력이 있어야 하지 않을까. 또한 네트워크 환경과 컴퓨터, 스마트폰의 발달로 접근성의 차이는 있지만, 제페토 같은 아바타 탑승 플랫폼은 2003년 등장했다가 실패한 ‘세컨드 라이프’에서 이미 구현된 바 있다는 지적도 꾸준히 나온다.

기반 기술의 발전이 비약적이라면 이야기가 다르겠지만 그렇지도 않다. 메타버스의 가장 핵심적이고 초기적인 기기가 될 VR 헤드셋의 사정을 보자. 2012년부터 오큘러스가 적임 회사로 주목받으며 성장을 거듭해 많은 이들에게 익숙한 디바이스가 됐지만 체감되는 변화는 미비하다. 현재는 메타(구 페이스북)가 인수해 개발에 힘쓰고 있다. 하지만 이들의 제품 오큘러스 퀘스트 2가 초기 아이폰과 맞먹는 상당한 판매량을 기록했다는 소식이 들려오는 것과 달리 아바타 기반 VR 세계 ‘호라이즌 월드’는 기술력의 부족으로 아바타의 ‘하반신’마저 구현하지 못하고 있다. 주변에서 상용하는 사람을 찾아보기 어려움은 물론이다.

오큘러스의 기술 자문을 맡고 있는 존 카맥은 이 같은 회의론에 불을 지폈다. 지난 10월 ‘페이스북 커넥트 2021’에서 맡은 기조연설에서 자사의 ‘메타버스 올인’ 현상에 ‘그저 머리를 쥐어 뜯어버리고 싶다’며 ‘메타버스는 아키텍처 우주비행사를 위한 꿀단지 함정이다’라 강하게 쓴소리했다. 여기서 ‘아키텍처 우주비행사’는 ‘광범위한 개념을 최종 단계에 대해서만 생각하고 구체적인 실행 계획은 제시하지 않는 사람’을 말한다. 게임 ‘둠’, ‘퀘이크’ 등을 개발한 전설적인 개발자이자 자사 비전의 최전선에 있는 그이기에 발언의 파장은 컸다.

영미권의 공신력 있는 게임 전문지 PC 게이머 비판도 주목할만하다. ‘메타버스는 헛소리’, ‘인터넷의 열화판’이라는 과격한 반응으로 현재 IT 거물들이 상상하는 미래 세계에 실효성이 없다는 취지의 주장을 확고히 밝혔다. 지금의 메타버스가 얼마나 과열되어 있는지를 보여주는 방증이기도 하다.

People at the concert are waiting for the show

코로나 19의 유행으로 급속도로 성장한 산업이기에 그 이후의 변화에도 민감해야 한다. 연속된 변이 바이러스의 출현으로 인류의 신음이 길어지고 있다고 하지만 그 끝이 현실 세상과의 영원한 거리 두기는 아닐 테니 말이다. 음악계에서 메타버스와 가장 잘 화합할 것으로 떠오른 산업은 전염병의 직격탄을 맞은 공연 업계다. 그런데 여기서부터 메타버스와의 동행에 의문이 앞선다.

콘서트의 생명은 현장감인데 과연 가수의 목소리를 한자리에서 듣고 쌍방향 소통하는 재미를 가상 공연이 대체할 수 있을까. 상기한 팬 서비스 차원이 아닌 아티스트와 많은 관객이 함께 뛰고 즐기는 콘서트의 진정한 열기를 구현할 수 있는 건지. 아이슬란드의 전설적인 싱어송라이터 뷰욕의 과거 인터뷰 발언을 빌린다. ‘사람들이 온라인에 집착한다는 건 곧 공연에 가고 싶어 한다는 뜻이다. 인간이라면 누구나 육체적인 접촉과 물성을 원할 수밖에 없다.’.

공연 실행 시 생기는 법적인 문제도 빼놓을 수 없다. 우선, 가상세계 내에서 이루어지는 공연 수익 배분 문제다. 저작권 제도는 탄생 이래 저작물을 이용하는 미디어의 형태가 발달함에 따라 그 모습을 꾸준히 변화해 왔다. 새로운 플랫폼이 등장하면 사용료를 나누는 규정의 개정이 필연적인 것이다.

실제로 2020년 기획사들이 진행한 언택트 공연에 대해서는 한국음악저작권협회가 사용료를 징수하지 못하고 있다고 한다. 방송사용료, 전송사용료, 혹은 그 외의 사용료 중 어느 것을 수납할지 정리가 안 된 탓이다. 한국음악저작권협회의 관리하에 있는 음원이 국내 공연에서 사용되면 입장료 수익과 일정 요율에 맞춰 징수해 창작자들에게 나눈다. 하지만 언택트 공연은 해외 유저가 과반수라 돈 거두기 까다롭다.

개방적 창작 공동체라는 특성답게 메타버스는 이 외에도 현실 세계와 맞물리는 과정에서 여러 법적 쟁점을 껴안는다. 만화 캐릭터나 연예인의 사진을 활용한 아바타의 저작권, 초상권 침해에 대한 우려가 증대하고 있다. 속지주의에 구속받지 않고 글로벌 인구가 참여하는 세계이기에 분쟁 시 관할권은 어디로 부여할지 등도 고민거리다. 노골적인 성행위가 스스럼없이 이루어지는 ‘VR챗’, 처벌이 애매한 가상 세계 내의 성희롱과 스토킹을 비롯한 사이버폭력처럼 사회적 합의가 필요한 부분도 많다.

무엇보다 중요한 건 현실과 가상의 조화와 상호작용이다. 사람들을 연결하겠다는 새 문명의 포부가 도리어 사회의 단절을 야기하는 일은 없어야겠다. 익히 알려져 있듯 최초 메타버스가 등장한 배경인 1992년 닐 스티븐슨(Neal Stephenson)의 소설 < 스노우 크래쉬 >나 SF 명작 < 매트릭스 > 속 가상현실의 모습은 빛나는 유토피아라기보다 암울한 디스토피아였다. ‘혁신’이라는 근사한 간판에 기대심을 갖는 것도 좋지만, 균형 잡힌 ‘황금분할’을 위한 고민에도 주력해야 한다.

세상은 변한다. 코로나 19가 우리를 괴롭힐수록 메타버스는 두말할 것 없이 떠오를 산업이다. 그러나 섣부른 열광은 거품을 만들고 거품은 이내 실망을 낳는다. 메타버스 산업의 옥석을 가려 보석을 발굴하기 위해서라도 더 많은 질문과 비판에 나설 때다. 무심코 대세라 치켜세우는 메타버스는 그 칭송과는 다르게, 사실 이제 ‘시작’ 단계다.

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미란이 ‘Uptown Girl’ (2021)

평가: 3/5

맨 밑바닥의 소녀에서 부유층의 여자로. 작년 < 쇼미더머니 9 >에서 가난 서사를 앞세운 진솔한 자기 고백으로 많은 이들의 공감과 애정을 끌어냈던 미란이가 변했다. 옆집 친구처럼 어딘가 친근해 보이던 겉모습은 이제 화려한 메이크업과 빛나는 조명이 감싼다. 첫 정규 앨범 < Uptown Girl >의 방향도 이와 다르지 않다. 성공 후의 또 다른 이야기, 미란이 인생 2막의 스토리를 펼쳐낸다.

도전보다 여유가 앞선다. 포문을 여는 ‘Uptown girl’은 힙합보다 댄스에 가까운 팝으로, 주류 걸그룹의 곡을 듣는 듯 안정된 구조를 지향한다. 튕기는 베이스와 매끈한 기타 사운드 위로 덧입혀진 얼핏 헤이즈가 연상되는 보컬 연기는 랩과 노래의 공존 가능성을 입증하지만 곡 흡인력은 중박. 미란이의 개성이 십분 중화된 꼭 그가 아니어도 부를 수 있는 팝이기 때문이다. 타이틀곡 ‘티키타’도 비슷한 흠을 내비친다. 간결한 알앤비 비트와 중독성 있는 후렴구는 무난하지만, 미란이의 첫 막이 더 화끈하기를 기대한 이들에게는 심심하게 들릴 여지를 남긴다.

‘지겨워서 만든 노래’를 분기점으로 이어지는 후반부가 반전을 주도한다. 주무기인 랩 대신 노래가 다수를 차지해 자칫 늘어질 뻔한 구성임에도 짧은 수록곡 안에 표정 변화를 넉넉히 채워 넣어 풍성한 느낌을 준다. 프로듀서 보이콜드의 손길이 낳은 ‘지겨워서 만든 노래’는 이모(Emo) 힙합 성질의 싱잉 랩과 강렬한 일렉트릭 기타 연주가 시원한 질주감을 선사한다. 여기에 장르의 총아인 스키니 브라운의 팝 느낌 물씬한 멜로디도 깊은 만족감을 더한다.

철저히 ‘미란이스러움’을 지키는 가사도 발군이다. 초반부가 무난한 곡들로 안정감을 다진다면 후반부는 사람들에게 각인된 자신의 이미지를 살린 선명한 메시지를 새겨놓는다. ‘Lambo!’는 대표적이다. 트랩 비트 위 중독성 강한 훅으로 ‘돈맛을 알아버린’ 현재를 한껏 만끽하는 노래는 강한 카타르시스가 된다. 변한 삶에 대해 미처 전하지 못한 푸념을 ‘추신’에 비유해 녹여낸 ‘P.S.’, 랩스타가 된 지금도 여전히 남아있는 나름의 걱정거리를 지난 1년간의 발자취와 연결 지어 털어놓는 ‘난 진짜 멋지게’는 심리적 갈등이 특유의 인간적인 캐릭터와 맞물려 입체적으로 펼쳐지는 구간이다.

전술이 상당 부분 안정에 그치지만 정직하기에 울림은 강하다. 대중성을 충분히 의식하며 모난 데 없이 잘 들리는 노래들을 챙겼고, 변함없는 자기표현 능력으로 정체성 확립도 놓치지 않았다. 여전히 자꾸 귀 기울이고 싶은 매력이 있는 미란이의 성장 스토리다.

– 수록곡 –
1. Uptown girl
2. 티키타 (Feat. 릴보이)
3. 지겨워서 만든 노래 (Feat. Skinny Brown)
4. Lambo! (Feat. UNEDUCATED KID)
5. P.S. (Feat. JAY B)
6. 난 진짜 멋지게 
7. Daisy Remix (Feat. Paul Blanco, ASH ISLAND)

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저스디스(JUSTHIS) ‘You’ (2021)

평가: 1.5/5

그간 거침없는 워딩과 빈틈없는 랩으로 한국 힙합 신을 도려내던 그가 부드러이 사랑을 읊조리는 모습은 아무리 이미지에 한차례 연성화(軟性化)를 가한 후라도 낯설다. 기존의 비타협적인 태도와 대비되는 작년 < 쇼미더머니 9 > 출연이 혹자에게는 변절로 치부되고 있는, 자신의 존재감을 다시 한번 입증해야 할 결정적인 순간이기에 더욱 치명적이다. 아티스트가 기존의 굴레에 갇힐 필요는 없다. 다만, 변화에 매력과 설득력은 따라와야 과거에 사로잡히지 않는다. 적어도 저스디스는 현재 힙합 신에서 그런 존재다. 행보 한 걸음 한 걸음이 리스너들의 이목을 잡아끌고, 입방아를 찧게 하는.

대중성을 노렸다고 하기에는 귀에 꽂히는 멜로디도 없고 어떤 의미 있는 메시지나 의도도 읽히지 않아 관계에 대한 평면적인 노랫말만이 남는다. 그마저도 멜로디에 최적화되지 않은 여전히 날카로운 목소리와 부조화를 이루며 충돌한다. 무난한 비트가 조성하는 나른함 위로 싱잉이 주도적인 곡에서 타격감 있는 2절의 랩이 도리어 가장 잘 들린다는 점은 시사하는 바가 크다. 다가올 정규 앨범의 궁금증만을 증폭하는, 쉬이 뜻을 알아차리기 어려운 곡이다.

방송 출연으로 확보한 커리어 상의 분기점이 기존의 힙합 노선 외에 뜻하는 어떤 길로도 뻗어갈 수 있는 교차로를 마련했다. 하지만 의도한 모든 음악에 도전하면서 늘 질 좋은 결과물을 빚어내는 일은 언제나 극복해야 할 더 많은 과제를 안긴다.

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재패니즈 브렉퍼스트(Japanese Breakfast) ‘Jubilee’ (2021)

평가: 4/5

한국계 미국인 싱어송라이터 재패니즈 브렉퍼스트의 음악에는 확고한 본바탕이 있다. 신경질적인 슈게이징 사운드로 날 선 감정을 표출했던 < Psychopomp >, 심연으로 가득 찼던 < Soft Sounds from Another Planet > 두 작품은 어머니와의 사별에서 파생된 비극적인 심리를 저술한 아티스트 내면의 발로였다. 그러나 3년 만에 돌아온 신보 < Jubilee >의 첫인상은 사뭇 다르다. 속의 감정보다는 선명한 멜로디와 음악, 그 기운찬 느낌이 우선 다가온다. 노란빛의 채도 높은 앨범 커버처럼, 다채로워진 구조로 새롭게 변신을 꿈꾸는 재패니즈 브렉퍼스트다.

첫 트랙 ‘Paprika’부터 기존 노선과 선을 긋는다. 이전의 악 받친 보컬의 날카로움이 사라지고 우아한 곡조와 한껏 덩치를 키운 사운드가 그 자리를 대신한다. “천천히 찾아온 제정신, 나는 큰 매듭을 푸는 꿈에서 깨어났다”(“Lucidity came slowly, I awoke from dreams of untying a great knot”)처럼 가사는 변화와 삶을 향한 긍정, 그리고 예술가로서 창작에 대한 기쁨을 중첩한다. 축제의 한 폭을 도려내 오선지에 그린 듯 활달한 마칭 밴드의 소용돌이에서 심박수를 기막히게 떨어트리는 중반부의 완급조절, 그 위로 케이트 부시가 떠오르는 생동감 넘치는 멜로디와 가창으로 재패니즈 브렉퍼스트는 감행한 도전을 성취로 맞바꾸어 놓는 데에 성공한다.

이어지는 수록곡도 과감하다. 저마다 개성적인 기악 편성과 곳곳에 변칙을 부여하는 능력이 절정에 달했다. 둔중한 베이스와 감칠맛 나는 기타의 그루브로 첫 트랙의 신선함을 길게 끌고 가는 1980년대 신스팝 스타일 넘버 ‘Be sweet’, 뜻밖의 발랄함을 발산하는 ‘Savage good boy’는 모두 예측을 깨부수는 곡들이다. 어쿠스틱한 ‘Kokomo, in’과 전자 피아노에 겹겹이 층을 낸 현악기로 담백함을 자아내는 ‘Tactics’ 역시 적절한 타이밍에 쉬어가는 구간을 마련해 흐름을 단단히 유지한다. 특히, 로파이한 무드에 포근한 관악기 솔로를 휘몰아친 ‘Slide tacke’는 앨범의 백미.

전환에 전환을 거듭하는 진행에도 내면을 철저히 견지하기에 더 특별하다. 재패니즈 브렉퍼스트의 손길은 활발해졌을지언정 그 속 미셸 자우너의 어투는 여전히 싸늘하고, 아슬아슬하다. 1집 < Psychopomp >의 ‘Jane cum’이 겹쳐가는 매서운 기타 디스토션의 ‘Sit’과 어두컴컴한 신시사이저의 깊은 골짜기가 멋들어진 ‘Posing in bondage’는 각각 섹슈얼한 상상과 상대를 향한 처절한 갈구로 비틀거린다. 대담했던 초반부에서 뒤로 갈수록 차분하고 섬세하게 종결되는 흐름도 자연스럽다. “지옥은 사랑할 사람을 찾고 나는 너를 다시 볼 수 없어”(“Hell is finding someone to love and I can’t see you again”)라 이별을 직접적으로 설파하는 ‘In hell’과 쓸쓸한 기타 연주 위로 외로운 자신을 인정하는 피날레 ‘Posing for cars’의 여운이 유독 차디찬 이유다.

스펙트럼은 넓어졌고 감성은 깊어졌다. 특유의 담담한 감정 응시를 유지한 채 화려한 곡조를 보태니 더없이 탄탄하고 응집력 있다. 변화무쌍한 구성과 그에 자연스럽게 따라온 커리어 상의 변곡점으로 이전보다 적극적인 평단의 호응과 스포트라이트까지 챙긴 것은 덤이다. 여러모로 재패니즈 브렉퍼스트의 최고작. 아물지 않은 트라우마 속 꿈틀대는 음악적 열의와 야심이 일군 눈부신 자가 치유다.

– 수록곡 –
1. Paprika 
2. Be sweet 
3. Kokomo, in
4. Slide tackle 
5. Posing in bondage
6. Sit
7. Savage good boy 
8. In hell 
9. Tactics
10. Posing for cars