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비욘세(Beyoncé) ‘Renaissance'(2022)

평가: 4.5/5

‘팝의 여왕’이란 칭호는 순수한 퍼포먼스나 보컬 실력과 더불어, 후대를 견인할 기준점과 영향력을 제시할 수 있는 초월성에서 기인한다. 갑작스레 등장해 오감을 직격한 즉발성 팝 컬렉션 < Beyonce >(2013)와 예술과 상업의 합일을 일군 무결점 명반 < Lemonade >(2016). 이 두 작품이 비욘세를 지금의 절대적 위상에 오르게 한 결정적인 도약으로 평가받는 이유는, 참신함과 완성도뿐만 아니라 후배들의 꾸준한 회자 속 대체 불가능한 불변의 가치를 인정받았기 때문이었다.

장대한 트릴로지의 개막이자 6년 만의 정규작 < Renaissance >는 그렇기에 쉽고 안전한 팝의 노선을 따르지 않는다. 마치 모두의 지지 속 미지의 향로를 개척하고 등대를 세워야 하는 선각자의 걸음인 셈이다. 키워드는 코로나 여파로 전례 없는 침체기를 맞이한 ‘댄스’ 문화다. 비욘세는 단어의 재건을, 더 나아가 누구나 마음대로 움직이고 표현할 수 있는 ‘자유’를 위해 왕좌에서 일어서기 시작한다. 어두컴컴하고 땀 냄새 자욱한 지하실로 행차한 여왕의 진두지휘하에 인류의 동적 본능을 복원하고 해방하려는 본격적인 지반 공사가 펼져진다. 바야흐로, 1980년대 시카고 언더그라운드 클럽 신에서 부흥한 ‘하우스’ 르네상스의 재(再)도래다.

각성을 위해 빼곡히 수놓아진 152명의 참여자 명단, 시대별 캐논을 위시한 샘플 크레딧, 디제이의 셋리스트처럼 각 트랙을 유기적으로 이은 세구에(segue) 형식까지. 사학자의 면모와 기획자의 통찰을 겸비한 < Renaissance >는 비욘세의 보컬을 재료로 한 전지구적 거대 리믹스 기획이자 광란의 경배 의식에 가깝다. 언뜻 포맷 자체로는 두아 리파가 선보였던 초호화 믹스셋 < Club House Nostalgia >를 연상케 하기도 한다. 미국의 디제이 더 블레스드 마돈나가 두아 리파의 광풍을 무도회로 재편성했듯, 각지의 힙합 프로듀서와 디제이가 재림의 순간을 함께 하기 위해 스튜디오로 모여들었다.

트랙에 걸쳐 여러 장소와 지역, 시대를 호령했던 댄스 플로어의 역사가 순차적으로 복각된다. 라파엘 사딕과 나일 로저스 조합으로 펑크(Funk)의 광채를 담아낸 ‘Cuff it’, 샘플링의 교본 격인 로빈 에스의 ‘Show me love’ 리프와 빅 프리디아의 강렬한 랩 스크래치를 버무린 하우스 넘버 ‘Break my soul’ 등이 그렇다. 기나긴 여정의 마무리를 장식하는 것은, 영원한 고전인 도나 섬머 ‘I feel love’를 직접 호출하여 격한 예우와 경의를 표하는 ‘Summer renaissance’의 몫이다.

침투와 혼합 과정은 때론 교묘하게 행해지는데, 지극히 현대적인 트랩 비트 위로 에스닉한 토속 사운드가 등장하는 ‘Thique’는 클럽 신의 시제를 탐닉하고, ‘America has a problem’은 음산한 덥(dub) 향취와 강박적인 탐탐 사운드를 통해 먼지에 둘러싸인 다양한 전자 음악 분파의 실루엣을 미세하게 드러내기도 한다. PC 뮤직의 수장 A. G. 쿡의 손길이 닿은 ‘All up in your mind’의 주재료는 2010년대 등장한 신흥 강자 ‘버블검 베이스’의 팽창된 질감이다. ‘Pure / honey’의 경우에는 심장 박동스런 리듬과 최면 같은 읊조림으로 집단 광기를 유도하다 순식간에 베이지색 미러볼 밑으로 옮겨 놓기도 한다. 위협적이고, 쾌락적이다.

코첼라 실황을 담은 라이브 앨범 < Homecoming >과 < The Lion King : The Gift >를 거치며 여성 운동과 블랙 프라이드의 공식적인 대변자로 올라선 만큼 메시지적 측면도 결코 놓치지 않았다. 가스펠부터 댄스홀, 알앤비, 뉴 잭 스윙 등 상징적인 블랙 뮤직들의 재현은 물론 ‘있는 그대로의, 내 피부가 편안하고 아늑해’(Cozy)라는 메시지에는 흑인으로서의 긍지가 담겨 있고, ‘넌 내 영혼을 부수지 못해’(Break my soul)라는 외침에는 팬데믹이 야기한 대퇴직 시기(Great Resignation) 속 희망 잃은 젊은이를 향한 위로와 지지 선언이 담긴다. 단순한 댄스가 아닌 ‘하우스’로 키워드를 내건 것 역시 백인 중산층에 의해 음지로 밀려난 소수자를 품은 피난처, 웨어하우스의 포용 의지를 잇겠다는 표명이다.

댄스 전반의 흐름을 16개의 트랙을 통해 고르게 분포한데다 곡간 연결부와 전체적인 완급, 개개 퀄리티 모두 흠잡을 곳이 없다. 비주얼 앨범으로 충격을 가져온 일전의 행보를 한 번 더 비틀어 뮤직 비디오 하나 없이 온전한 오디오적 몰입을 유도했다는 점에서는 과거의 방편에 기대지 않겠다는 단호함이 엿보인다. 상당한 자본과 시간을 요하는 프로젝트임에도 본인의 브랜드에 입각한 대규모 송캠프와 철저한 분업화를 통해 성공적으로 물꼬를 텄다는 것도 놀라운 성과다. 성적은 어떠한가. 빌보드 앨범과 싱글 차트 정상은 물론 전 수록곡 차트 진입이라는 어마어마한 기록까지 거머쥐었으니. 이제 아무도 그를 의심할 사람은 없어 보인다. 여왕의 귀환 아래, 새로운 성경의 첫 장이 펼쳐진다.

– 수록곡 –
1. I’m that girl
2. Cozy
3. Alien superstar
4. Cuff it
5. Energy (Feat. Beam)
6. Break my soul

7. Church girl
8. Plastic off the sofa
9. Virgo’s groove
10. Move (Feat. Grace Jones & Tems)
11. Heated
12. Thique
13. All up in your mind
14. America has a problem
15. Pure/honey

16. Summer renaissance

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특집 Feature

EDM을 여행하는 히치하이커를 위한 안내서 (1)

신시사이저의 보급화는 악기의 위상을 전복시켰다. 마찰과 진동이라는 물리적 한계를 넘어, 상상의 소리를 구현할 수 있다는 희망이 예술가들의 열망과 도전 정신을 주무르고 자극했다. 실험의 일환이었던 크라우트 록과 구체음악으로 구색을 갖추고, 조르지오 모로더와 크라프트베르크 같은 선구자에 의해 팝의 영역으로 부상한 일렉트로니카는 이윽고 디스코, 하우스, 레이브 신을 거쳐 주류와의 영합을 점진적으로 시도해 대중음악을 대표하는 또 하나의 뿌리로 각인되었다.

소위 EDM이라 불리는 ‘일렉트로닉 댄스 뮤직(Electronic Dance Music)’은 이 장대한 시간의 세례를 흡수하고 탄생한 결정체다. 본래 1970년대부터 이어져 온 역사와 문화 전반을 포괄하여 부르기 위해 고안된 약칭이기에, 속성과 범위가 워낙 방대하고 특정 공통분모를 규정하기가 어렵다. 따라서 이 글에서는 사전적 정의보다는 철저히 현대의 용례인 ‘2010년대를 기점으로 차트에 등장한 댄스음악’에 집중한다.

미디 장비와 신시사이저를 주력으로 다루는 디제이가 중심이 되고, 클럽과 페스티벌 문화를 관통하며, 인공적인 사운드와 극적인 전개를 통해 고양감을 자극하는 음악으로 설명하는 편이 이해가 쉽다. 많은 후배들의 귀감이 된 다프트 펑크의 전설적인 라이브 공연 < Alive 2007 >이 세 가지 성질을 투영한 좋은 예다. 다만 소수만이 소비하는 언더그라운드 문화에 머무르지 않고 전 세계로 뻗어 나가려는 팝 지향성은 EDM의 중요한 의의 중 하나다. 일렉트로니카 팬층만을 만족시키는 것이 아닌 모든 이를 아우를 수 있는 포용성을 내비쳐야 한다.

그 영향력을 인정받아 2013년 빌보드에 ‘댄스/일렉트로닉 차트’ 항목을 개설하는 쾌거를 이뤘으나, 비대해진 상업성과 복제성을 지적받고 질 낮은 음악이라는 인식이 박히며 내리막길을 걷게 되었다. 빠르게 덩치를 키우며 지분을 빼앗은 힙합 세력과 공연계를 전례 없는 침체기로 이끈 코로나도 하락세에 한몫 거들었다. 그럼에도 EDM은 굳건한 청취자층에 의해 꾸준히 소비되고 있으며, 여전히 많은 디제이들이 프로듀서라는 명함으로 각국 차트 상위권에 이름을 올리는 추세다. 체인스모커스, 갈란티스, 마시멜로우 등 실력 있는 신인들이 등장하며 자생의 발판을 다지는 중이다.

정녕 EDM은 클럽의 환락적 맥락만을 주장하고, 돈을 좇는 산업에 의해 맹목적으로 조종되는 저급한 음악인가? EDM을 통해 일순간 피가 끓어오르고 가슴이 뜨거워졌던 경험은 정교하게 설계된 착각이었을까? 정해진 틀을 전전하고 유튜브 언저리를 떠돌며 값싼 유희만을 부각하는 양산형 음악의 존재를 애써 부정하기는 힘들지만, 그 모래밭을 천천히 파헤쳐 보면 ‘열망과 도전 정신’이 드러난 보물을 발굴할 수 있다.

‘EDM을 여행하는 히치하이커를 위한 안내서’는 일렉트로닉 댄스 뮤직이 폭넓게 사랑받았던 2009년부터 2015년을 전후로 신과 밀접하게 닿아있던 디제이들 가운데, 적절한 난이도와 독자적인 개성으로 사람들의 열띤 관심을 받았고, 더 나아가 모든 ‘전자음악’ 자체에 본질적인 관심을 끌어낼 만한 아티스트 10인을 간추린다. 또한 이들의 무수히 많은 커리어에서 입문에 용이한 추천작을 성실히 골랐다.

1. 데이비드 게타(David Guetta)

데이비드 게타의 미국 진출은 EDM 세계화의 신호탄과 같았다. 베니 베나시 공전의 히트곡 ‘Satisfaction'(2003)이 일렉트로 하우스의 부흥을 가져왔다면 이를 연성화하여 2010년대 대중음악의 문법에 취입한 것이 그의 몫이다. 4/4의 정직한 박자 위 흥얼거릴 수 있는 멜로디를 넣었고, 기존 디제이들이 리믹스 모음집이나 셋 리스트 정도로만 인식하던 앨범의 개념을 풀 렝스(full-length)로 확장하여 본격적인 팝 이식에 불을 지폈다.

프로듀서와 유명 퍼포머의 결합 체제를 적극 도입한 < One Love >(2009)가 그 해 52회 그래미 어워드의 ‘베스트 일렉트로닉/댄스 앨범’에 노미네이트되며 이름을 알린 것을 열풍의 시작으로 점친다. 이후 게타는 천만 장의 판매고를 달성한 블랙 아이드 피스의 ‘I gotta feeling’ 프로듀서를 맡아 전무후무한 기록을 거두고, 대표작 < Nothing But The Beat >(2011)로 박차를 가하며 향후 팝을 지배할 일렉트로닉 사운드와 크로스오버의 정석을 정립하기에 이른다.

플로 라이다, 크리스 브라운, 제시 제이 등 당대 잘나가던 가수들과 힙합 신의 릴 웨인, 니키 미나즈, 스눕독이 한 데 모여 리스트를 장식했다는 점은 당대에도 획기적 사안이었다. 아직도 길거리 매장과 플레이리스트를 바쁘게 오르내리는 ‘Where them girls at’과 ‘Turn me on’, 그리고 ‘Chandelier’가 흥행하기 전 시아라는 보컬리스트를 주목받게 한 명실상부한 댄스 넘버 ‘Titanium’이 여기 속한다.

독특한 점은 보컬과 연주 파트를 분리한 디스크 구성이다. 능숙한 퍼포먼스로 무대의 열기를 재현한 두 번째 디스크는 ‘The alphabeat’와 같은 순도 높은 일렉트로 하우스 트랙으로 가득 채워 앨범을 구매한 팝 청취자들의 입문을 유도했다.

칼 콕스, 다프트 펑크와 더불어 오랫동안 영향력을 끼친 디제이 중 하나로 평가받는다. 저명한 영국의 잡지 < 디제이 맥 >이 주관한 ‘DJ 탑 100’에서 무려 10년의 간격을 두고 1위로 선정된 이력은 게타가 유일하다. 그도 그럴 것이, 예능 프로그램 < 스트릿 우먼 파이터 >에 삽입되어 화제를 이끈 ‘Hey mama’를 비롯해 여러 히트곡을 산출하고 있는 데다 이제는 신흥 장르로 부각 받기 시작한 ‘퓨처 레이브’를 직접 진두지휘하고 있으니. 아직 현재진행형인 그의 커리어를 요약하기에는 조금 이를지도 모르겠다.

추천)
< One Love > (2009) 中 ‘When love takes over’, ‘Sexy bitch’, ‘Memories’
< Nothing But The Love > (2011)
< Listen > (2014) 中 ‘Hey mama’, ‘Bad’

2. 아민 반 뷰렌(Armin Van Buuren)

트랜스는 EDM의 빼놓을 수 없는 주요 분파 중 하나로, 간단한 멜로디를 계속 반복하는 테크노에서 뻗어 나와 속도감 있는 전개를 취합한 장르다. 몽환적인 신시사이저 라인을 거듭 주입하여 일종의 ‘무아지경(Trance)’ 상태로 만든다는 점에서 이러한 단어가 유래되었다. 상업적 성공을 거둔 작품 중에서는 다루드의 ‘Sandstorm'(1999)이 대표적으로, 각종 인터넷 밈의 유행을 계기로 국내에 수입되기도 했다.

이 분야에서는 초기 성장에 크게 기여한 독일 출신의 ‘폴 반 다이크’와 ‘Adagio for strings’, ‘Elements of life’와 같은 여러 명곡을 남긴 황태자 ‘티에스토’ 등의 선구자가 존재하지만, 오래도록 사랑받은 인물은 단연 네덜란드 출신의 디제이 아민 반 뷰렌이다. < 디제이 맥 > ‘DJ 탑 100’의 최다 1위 주인공인 그는 오늘날까지 꾸준한 무대와 라디오 전파를 통해 활동을 이어오고 있다.

그가 EDM 산업의 관점에서 높이 평가받는 이유는 철저히 트랜스를 주력으로 밀어붙인 < Imagine >(2008)이 자국에서의 성공을 거둠에도 불구하고 후속작으로 부드러운 클래식 악기와 보컬을 초빙한 변화구 < Mirage >(2010)를 제시했다는 점이다. 이러한 팝 지향성은 당시 클러버들에 의해 격한 지탄을 받기도 했지만, 트랜스가 일반적인 대중에게도 통용될 감성적인 지점을 마련하고 프로그레시브 트랜스라는 진보적 흐름의 기반을 구축했다는 의의를 가져왔다. 장르의 변절이 아닌 진화의 단초였던 셈이다.

물론 장르 자체의 한계성과 기하급수적으로 늘어난 신진 장르의 침공으로 과거의 위상을 많이 소실한 트랜스지만, 그 영향력과 수요를 고려하면 분명히 놓쳐서는 안 될 EDM의 주요 줄기 중 하나다. 레이브 신의 과격한 쾌락주의에서 초월의 공감각을 꿈꾸며 뻗어 나온 트랜스. 역사의 일부로 기억하기에 앞서, 숱한 노력으로 교류를 펼치고 형상을 가꿔가며 맥박을 유지하게 한 정원사 아민 반 뷰렌을 짚고 넘어가야 할 것이다.

추천)
< Imagine > (2008) 中 ‘Imagine’,’In and out of love’
< Mirage > (2010)
< Intense > (2013) 中 ‘This is what it feels like’

3. 데드마우스(Deadmau5)

일렉트로니카에는 가면으로 유명한 세 아티스트가 있다. 은색과 금색 헬멧으로 무장한 다프트 펑크와 직관적인 하얀 원통의 마시멜로. 그 중간 지점에 위치한 쥐의 탈을 쓴 캐나다의 디제이 데드마우스의 존재는 전자음악 신의 역사가 가면으로 매개되어 계승되고 있다는 사실과, 실제로 그가 단단한 음악적 교두보를 담당하고 있음을 상징한다. 한 매체 인터뷰에서 마시멜로가 밝힌 “데드마우스는 틀림없는 EDM의 선구자이며, 나 역시 그의 음악을 들으며 자랐다” 언급이 이를 방증한다.

초기 다프트 펑크의 < Discovery >(2001)가 이끈 일렉트로 하우스 황금기는 곧이어 저스티스의 < Cross >(2007)와 디지털리즘의 < Idealism >(2007)으로 극단적인 장르 발현에 도달했다. 또 다른 갈래로 뻗어나가려는 습성을 지닌 일렉트로니카의 특성상 극점으로의 도달은 해당 분야의 종말과 새로운 전극의 탄생을 의미한다. 그런 관점에서 데드마우스의 등장부터 모든 행보는 트랜스와의 절묘한 결합을 거친 ‘프로그레시브 하우스’의 생생한 진척도로 가늠할 수 있다.

데드마우스는 데이비드 게타가 마련한 토대와 아민 반 뷰렌이 구비한 진보적 물결을 등에 업고 EDM의 전성기를 화려하게 개막했다. 그를 스타덤에 올린 곡은 드럼 앤 베이스 기반의 밴드인 펜듈럼의 보컬 롭 스와이어가 참여한 역동적인 일렉트로 팝 ‘Ghost’n’stuff’였지만, 프로그레시브 하우스의 영원한 바이블로 꼽히는 ‘Strobe’와 ‘I remember’를 같이 선보이며 마니아층의 우호까지 탄탄하게 사로잡았다. 이후 유행의 과즙을 여실히 담아낸 < 4×4=12 >(2010)을 통해 각종 페스티벌의 주인공으로 등극하며 승승장구를 걷게 된다.

몽환적인 도입부의 ‘Some chords’와 기묘한 박자감을 지닌 ‘Sofi needs a ladder’, 그리고 울프강 가트너와의 협업으로 차진 신시사이저 운용을 선보이고 귀를 잡아끄는 ‘Animal rights’가 대표적이다. 변화에도 민감했던 그는 ‘Raise your weapon’으로 당시 큰 돌풍을 몰던 덥스텝 색채를 선보였으며, 모두의 예상을 깨고 앰비언트를 시도한 감상용 음반 < While(1<2) >(2014)로 너른 스펙트럼을 증명하기도 했다. 대체로 육각형의 올라운더 디제이를 논할 때 먼저 꼽히는 베테랑이다.

추천)
< For Lack Of A Better Name > (2009) 中 ‘Ghost’n’stuff’, ‘Strobe’
< 4×4=12 > (2010)
< > Album Title Goes Here < > (2012) 中 ‘The veldt’, ‘Professional griefers’

4. 스크릴렉스(Skrillex)

데드마우스는 흐름을 바꿨다. 그리고 스크릴렉스는 세계를 바꿨다. 흔히 ‘덥스텝’으로 알려진 유행을 선도하여 당시 인터넷 문화 전반과 아티스트는 물론, 하물며 K팝 시장까지 지대한 영향을 끼칠 정도로 전 세계적인 파급력을 발휘했다. 국내에서는 이러한 스타일을 적극 수용한 현아의 ‘Bubble pop!’과 샤이니의 ‘Everybody’가 대표적이며, 포미닛은 그를 직접 프로듀서로 초청한 ‘싫어’를 발매하기도 했다.

날카롭게 깎아낸 사운드와 피치를 한껏 올린 보컬, 왜곡되고 뒤틀린 워블 베이스, 얼기설기 잘라낸 드롭의 향연 ‘Scary monsters and nice sprites’가 그 열풍의 시작이었다. 이 한 곡이 가져온 여파를 가늠하기가 어려울 정도다. 때마침 소리 조각을 이어붙이는 전자악기 런치패드가 유행을 타면서 전방에는 그의 작법을 위시한 흐름이 우후죽순 등장하기 시작했다. 그 결과 스크릴렉스는 < Scary Monsters And Nice Sprites >와 < Bangarang >으로 2연속 ‘그래미 베스트 댄스/일렉트로닉 앨범’ 수상의 영예를 안으며 역사의 파피루스에 이름을 아로새겼다.

물론 모든 과정이 순탄치만은 않았다. 컴플렉스트로라는 용어가 확립되지 않은 전파 단계에서 그의 음악을 지칭한 ‘덥스텝’이라는 표현이 기존 용어가 지칭하던 음악과 괴리가 컸기에 스크릴렉스는 지하실 순혈주의자들의 표적이 되어 한동안 시달려야 했다. 또한 점차 EDM에 대한 반발감이 생겨날 즈음 단지 유명하다는 이유로 음악 산업과 문화를 망친 장본인으로 낙인 되기도 했으며, 특유의 과격한 질감과 예측할 수 없는 산만한 전개가 중장년층의 반감을 사는 바람에 세일즈에 불리한 환경에 놓이기도 했다.

“You have technicians here, making noise. No one is a musician. They’re not artists because nobody can play the guitar.(여기에는 오직 소음투성이의 기술자만이 있을 뿐입니다. 뮤지션은 한 명도 없죠. 기타를 연주할 줄 아는 이가 아무도 없는데 과연 아티스트라고 할 수 있을까요?)”

그러나 스크릴렉스는 디제이 공연을 시끄럽다며 비꼬는 한 영상을 샘플링한 ‘Rock’n’roll’이라는 도발적인 제목의 곡으로 대답을 대신한다. 세태를 꼬집으며 본인의 음악이 십 대 문화를 이끌어갈 새로운 형식의 ‘로큰롤’임을 당당히 선고한 것이다. 디플로와 함께한 프로젝트성 그룹 잭 유(Jack Ü)와 다양한 아티스트와의 콜라보에서는 대중적 짜임새까지 능수능란하게 다뤄내며 음악계가 탐내는 독보적인 멀티 플레이어로 등극하고 있다. 이제 그의 역량을 의심할 이는 없어 보인다.

추천)
< Scary Monsters And Nice Sprites > (2010)
< More Monsters And Sprites EP > (2011) 中 ‘First of the year (equinox)’
< Bangarang > (2011)
< Skrillex And Diplo Present Jack U > (2015) 中 ‘Where are u now’