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전람회 ‘Exhibition 2′(1996)

평가: 4/5

1993년 MBC 대학가요제가 배출한 최고의 스타는 전람회다. 셔츠 깃을 빳빳하게 세우고 니트까지 정갈하게 맞춰 입은 김동률과 서동욱은 등장부터 지적인 분위기를 풍겼다. 무대에 들고나온 음악 역시 옷맵시에 걸맞게 고풍스러웠다. 두 동갑내기는 피아노와 베이스만으로 풀어간 재즈풍의 발라드 ‘꿈속에서’로 그해 특별상은 물론 대상까지 거머쥐며 성공적인 데뷔를 치렀다. 둘의 비범한 재능을 초기에 발견한 신해철과 작곡가 김형석의 재정적 지원과 프로듀싱으로 이듬해 탄생한 1집 < Exhibition >는 당시 60만 장의 판매고를 올리며 상승 기조를 이어갔다.

피아노를 중심으로 정통 발라드와 재즈, 웅장한 오케스트라 편곡을 조합해 클래식 특유의 입체감을 연출한 데뷔 앨범은 김동률 음악의 초석으로 남았다. ‘클래식을 아는 대중가수’라는 다소 허세적인 타이틀도 분명 소구점으로 작용했지만 평단의 호평을 이끌어낸 이 ‘습작’같은 데뷔작은 곧 다가올 행보에 대한 예고편이었다. 군 복무를 마친 그들은 전열을 가다듬고 다음 음반 제작에 전면적으로 관여하며 세련된 가요를 재현하는데 몰두했다. 자신들의 힘으로 모든 노래들을 작사, 작곡한 < Exhibition 2 >는 한층 짙어진 전람회의 음악색으로 정면승부를 택했다.

깊어진 소리를 도모했던 시도는 다시 후방지원에 나선 신해철 외에도 넥스트의 기타리스트 김세황을 비롯한 호화 세션들의 가세로 이어졌고 더욱 발전한 고급진 사운드로 구현됐다. 현재까지 이어온 최고의 퀄리티를 향한 전람회의 일념이 투영된 것이다. 클래식 기타리스트 이병우의 연주가 평온하게 흐르는 인트로 트랙 ‘고해소에서’부터 그 흔적을 찾을 수 있다. 장엄한 스트링 선율과 두 멤버가 읊조리는 허밍을 소재로 서서히 쓸쓸함을 고조시키는 이 곡에서 직접 현악을 지휘한 김동률의 감각이 빛을 발한다. 피아노로 주조한 멜로디와 호소력 짙은 중저음의 보컬을 결합하는 고유의 발라드 문법도 잊지 않았다. 전작의 ‘기억의 습작’에서 드러난 유려한 송라이팅 솜씨는 진일보한 가창력을 두른 ‘이방인’과 ‘새’라는 또 다른 발라드 수작을 빚어냈다.

전람회를 대표하는 ‘취중진담’을 포함한 음반은 줄곧 재즈적인 터치로 정체성을 피력했던 이들의 열망을 집대성한 작품이다. 베이스가 주도하는 빅밴드 스윙 스타일의 ‘J’s bar에서’와 절절한 하이해트 사운드가 두드러진 스탠다드 재즈풍의 ‘Blue Christmas’까지 재즈에 대한 애정을 다시금 과시했다. 솔로 앨범, 이적과 협업한 카니발, 이상순과 호흡을 맞춘 베란다 프로젝트 등 30년에 가까운 세월 동안 쌓았던 다양한 행보 가운데에서도 놓지 않았던 재즈는 김동률 음악의 핵심 요소다.

일률적인 형식을 수용하면서도 반전을 꾀했다. 전람회 음악에서 압도적인 지분을 차지하는 김동률에 비해 그룹 내에서 미미한 존재감을 비추던 서동욱이 베이스를 잠시 내려놓고 어쿠스틱 기타를 집어 든 것. 때 묻지 않은 미성의 톤으로 특유의 서정성을 밀도 있게 담아낸 ‘마중 가던 길’로 단순 조연 역할로 이미지가 굳어진 그의 진가를 확인할 수 있는 지점이다.

섬세한 세공을 거친 두 번째 결정체는 전람회의 정수를 그대로 품고 있다. 수려한 선율을 최우선으로 두고 정통적인 공식을 고수했던 그들은 당시 주류 음악이었던 댄스곡과 거리가 먼 발라드 장르로 음악시장에서 입지를 다져나갔다. ‘유서’가 히사이시 조의 ‘하늘에서 내려온 소녀’와 표절 시비에 휘말리며 흠결을 남겼지만 훗날 솔로로 출격한 김동률 음악의 핵심적인 단초가 된 < Exhibition 2 >는 탁월한 재능을 지닌 풋풋한 신인에서 야망가로 변모하는 과정 속 고군분투했던 모습을, 나아가 대중음악계의 장인 반열에 다가선 그의 전성기를 담고 있다.

-수록곡-

1. 고해소에서
2. 이방인
3. J’s bar에서
4. 유서
5. 마중가던 길
6. 새
7. Blue Christmas
8. 취중진담
9. 10년의 약속

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김뜻돌 ‘Cobalt'(2021)

평가: 3/5

‘돌 하나에도 뜻이 있다’라는 뜻을 가진 싱어송라이터 김뜻돌은 세상의 모든 마음을 소재로 자유로운 음악을 선보인다. 작년 발매한 첫 번째 정규작 < 꿈에서 걸려온 전화 >는 자신의 무의식을 집중 조명한 작품으로 내면세계의 깊은 곳까지 침투해 솔직한 감정들을 포착했다. 록, 포크, 재즈 등 틀에 박히지 않고 넓은 스펙트럼의 사운드를 한데 모은 데뷔 앨범은 ‘온스테이지2.0’를 계기로 화제를 모아 입소문을 타기 시작했고 한국대중음악상 신인상을 거머쥐며 대중성과 음악성을 양득했다.

꾸밈없는 이야기를 때로는 청초하게, 때로는 초연하게 변주해 스스로를 드러냈던 김뜻돌은 이제 청춘을 응시한다. < Cobalt >에는 우리네 청춘들에게 부치는 위로의 편지가 동봉되어 있다. ‘나는 내가 제일 중요해’라는 카타르시스 적 외침을 덤덤한 어쿠스틱 기타로 주도하는 ‘중요해’도, 이리저리 서툴기만 한 이들에게 각설하고 춤을 제안하는 ‘비 오는 거리에서 춤을 추자’에서도 거듭 위안과 격려를 표한다.

앨범에서 활용한 음악적 문법은 과거로 거슬러 올라간다. 아일랜드 밴드 마이 블러디 발렌타인의 정취가 느껴지는 ‘Cobalt’에서 그가 정의 내린 청춘의 진상을 파악할 수 있다. 코발트 빛은 찬란하고도 위태로운 청춘 속에서 캐낸 색감으로 1990년대 초반 슈게이징, 노이즈 록 사운드를 차용해 몽환적인 감각을 곤두세웠다. 전작의 ‘성큼성큼’과 연작의 성격을 띠는 ‘비 오는 거리에서 춤을 추자’는 얼터너티브 록 밴드로부터 받은 영향이 두드러진다. 스매싱 펌킨스의 대표곡 ‘1979’와 똑 닮은 기타 리프를 내세웠다는 점은 확고한 개성을 가진 김뜻돌에게 아킬레스건으로 작용할 여지를 남긴다.

그럼에도 불안정한 청춘을 그린 뒤 담백한 톤으로 상처를 봉합하는 ‘훨훨’까지 < Cobalt >는 탄탄한 구성을 겸비한다. 위로의 언어를 지난 시대로부터 획득한 영감으로 다채롭게 구현한 김뜻돌의 감각은 괄목할만한 공감을 불러일으켰다. 젊은 음악가가 오래된 음악으로 기록한 청춘은 찬란한 위태로움에서 푸른 색채의 꽃을 피워냈다.

-수록곡-

  1. Cobalt
  2. 중요해
  3. 비 오는 거리에서 춤을 추자
  4. 비 오는 망원로
  5. 훨훨
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정글(Jungle) ‘Loving In Stereo’ (2021)

평가: 4/5

전 세계 음악 시장의 트렌드가 복고로 향하기 전인 2013년, 당시 20대의 영국 백인 청년 조쉬 로이드 왓슨과 톰 맥팔랜드가 몰두한 프로젝트는 1970년대의 디스코 음악이 중심이었다. 1990년대 애시드 재즈에 직접적인 영향권에 있었던 그들은 펑크(Funk)와 디스코를 기반으로 수십 년 전 그루브를 세련되게 재해석해 사운드의 신구 조화를 주무기로  삼았다. 영국 인디 차트에서 19위를 기록한 데뷔 싱글 ‘Busy earnin’’이 수록된 첫 앨범으로 신선함을 확보한 이들은 듀오에서 7인조 밴드로 규모를 확장한 후 후속 음반 < For Ever >를 발표했다.

소포모어 작품은 조쉬와 톰이 겪은 이별의 슬픔을 역설적으로 번득이는 디스코로 풀어내며 진화한 음악성을 드러낸 반면, 이번 < Loving In Stereo >는 전작에 자연스레 녹아 든 침울한 분위기를 뒤집는다. 바이올린 선율로 비장한 연출을 선보인 서곡 ‘Dry your tears’를 전진배치 하고 템포를 높인 디스코 풍의 곡 ‘Keep moving’으로 유기적 구성을 취해 낙관적 복귀를 선언했다. 소울풀한 리듬을 중심으로 사이키델릭한 요소를 절묘하게 가미한 ‘All of the time’과 이들의 여유로운 기운을 이식한 ‘Lifting you’가 한층 가벼워진 분위기를 조성한다.

뉴웨이브 사운드를 연상시켜 기타에 주목한 트랙 ‘Truth’ 외에도 새로운 시도를 이어간다. ‘Romeo’에서는 래퍼 바스를, 알앤비 싱어 프리야 라구의 목소리를 빌린 ‘Goodbye my love’는 그들이 처음 시도한 협연으로 확장된 음악 스펙트럼이 엿보인다. 각각 올드스쿨 힙합과 부드러운 톤의 보컬을 결합함에서도 균질한 결과물을 추출해 담백한 프로듀싱 감각도 입증한다.

자신들이 태어나기도 훨씬 이전의 음악 스타일을 이제 막 서른을 넘긴 이들이 구사한다는 사실 자체도 흥미롭지만 정글은 신구세대를 병합했다. 레트로 열풍에 접어든 시대의 풍조가 소구점으로 작용했고 정교한 샘플링을 통해 구성한 리드미컬한 웨이브는 젊은 세대에게도 짙은 호소력을 발휘한다. ‘Can’t stop the stars’ 속 오케스트라 연주가 풍성했던 앨범의 문을 닫기까지 정글이 발산한 생동감 넘치는 에너지는 끝내 세월의 간극을 메웠다.

기분 좋은 활력을 갖춘 복고풍 음악의 향연, < Loving In Stereo >가 내포한 경쾌한 에너지는 우울한 현재와 대비되며 평범했던 일상을 그립게 한다.

-수록곡-

  1. Dry your tears
  2. Keep moving
  3. All of the time
  4. Romeo
  5. Lifting you
  6. Bonnie Hill
  7. Fire
  8. Talk about it
  9. No rules
  10. Truth
  11. What d’you know about me?
  12. Just fly, don’t worry
  13. Goodbye my love
  14. Can’t stop the stars
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히포 캠퍼스(Hippo Campus) ‘Good Dog, Bad Dream’

평가: 2.5/5

2014년 미네소타주 한 예술학교에서 의기투합한 인디 록 밴드 히포 캠퍼스의 강점은 결성 이래 꾸준히 내뿜은 젊은 활력이다.스쿨 밴드 시절부터 단단하게 연마한 내공을 집결시킨 데뷔 EP는 팬들의 관심을 끌었고 매력적인 선율로 무장한 인디 팝 밴드의 등장에 입소문은 빠르게 번졌다. 해당 나이대만이 느낄 수 있는 순수한 에너지를 녹여낸 2017년 첫 번째 정규작 < Landmark >가 이를 증명했으며 불과 1년 후에 발매한 < Bambi >는 전자적 요소를 가미해 보다 사색적이고 차분해진 성격을 전작에 비해따뜻하게 녹여냈다.

준수했던 두 장의 전작들을 통해 얻은 자신감으로 이번 앨범은 멤버들이 자체적으로 프로듀싱을 맡았다. 그럼에도 예전과 흡사하게부드러운 질감의 기타 리프가 주도하는 트렌디한 포스트 펑크록 사운드의 기조를 가져가며 자신들의 정체성을 재확인했다. 비슷한 음악을 지향했던 뱀파이어 위켄드, 봄베이 바이시클 클럽의 향취를 품고 있는 리드 싱글 ‘Bad dream baby’와 ‘Deepfake’가 공고히 인디 팝 장르의 경쾌함과 고유한 감성을 책임진다.

‘Sextape’는 은은하게 맴도는 브라스 선율과 레이어링을 거친 보컬 톤에서 영국 밴드 1975가, 두터운 톤의 베이스라인이 감도는 ‘Where to now’는 조이 디비전이 잇따라 스치지만 투박하고 정제되지 않았다. 오토튠으로 급조한 하이퍼 팝 곡조 위에서 섬뜩한 비명으로 시작하는 ‘Mojo Jojo’의 거친 텍스처는 기존 영역의 울타리를 넘어선 실험적인 태도라는 광채에 어두운 그림자를 드리운다.

< Good Dog, Bad Dream >는 히포 캠퍼스의 자유로운 연구 과정을 묶어낸 작품이다. 강점을 잃지 않은 부분도, 사뭇 다른 행보를 보인 이유도 모두 균형 잡힌 조각을 맞춰가는 절차다. 답습을 지양하고 창의적인 접근법을 채택해 열린 가능성을 제시했다는 점에서 앨범은 낙관적인 미래를 예약한다. 향후 선보일 결론에서만큼은 자유롭게 확장한 사운드스케이프와 섬세한 프로듀싱의 영민한 융합이 필요하다.

-수록곡-

  1. Bad dream baby
  2. Deepfake
  3. Sex tape
  4. Where to now
  5. Mojo Jojo
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울프 앨리스(Wolf Alice) ‘Blue Weekend'(2021)

평가: 4/5

울프 앨리스의 사운드트랙은 다채로운 연출로 가득하다. 2010년에 결성한 이래 초기 소재는 포크풍의 팝이었지만 영국 밴드 시장에 반향을 일으킨 데뷔작 < My Love Is Cool >과 2018년 머큐리상을 수상한 두 번째 정규 앨범 에 이르기까지 드림 팝, 슈게이징, 그런지 등 빈티지한 인디 록 사운드를 탁월하게 배합했다.

다양한 장르를 넘나드는 이들의 매력은 이번 음반에서도 효력을 발휘한다. ‘Safe from heartbreak’와 ‘No hard feelings’의 포크적인 질감은 부드러운 멜로디를 편성해 어쿠스틱의 뿌리를 드러냈고 중간에 배열된 야성적인 펑크 록 넘버 ‘Play the greatest hits’는 전작 ‘Yuk foo’의 전술을 차용했다. 과거의 기조를 전반적으로 유지하되 확고한 자신감을 선보인 셈이다.

매혹적인 오르간 선율로 관능적인 슈게이징 텍스처를 그려낸 ‘Feeling myself’와 그런지 사운드를 날카롭게 구현한 ‘Smile’은 1990년대 초반 유행했던 록 음악을 스타일리시하게 풀어낸다. 그 숨은 주역은 마커스 드라바스의 프로듀싱. 아케이드 파이어, 플로렌스 앤 더 머신 등 굵직한 밴드들과 작업했던 그의 정교함이 이들의 음악을 풍부한 음향으로 세밀하게 가공했다.

모호한 은유 뒤에 감췄던 프론트우먼 엘리 로셀의 개인적인 감정들은 < Blue Weekend >의 가사로 해방된다. LA에서의 경험에 빗댄 ‘Delicious things’는 혼란스러운 쾌락주의를, 어긋난 관계를 한탄하는 ‘How can I make it ok?’에서는 씁쓸함을 몽환적인 보컬과 함께 자세하게 읊어낸다. 실생활에서의 불안을 작사로 옮겨 담았던 그의 작법이 밴드 특유의 차가운 카리스마를 더욱 견고하게 다듬으며 뚜렷한 음영을 갖춘 매혹적인 무드를 형성한다.

앞선 두 번의 시험대에서 끌어낸 평단의 호평이 울프 앨리스를 촉망받는 유망주의 궤도에 올려놓았다면 이번 세 번째 앨범은 이들이 취한 강점을 증폭시켰다. 변화무쌍한 사운드의 향연 속에서 완성도와 깊이를 확보한 < Blue Weekend >는 10여 년의 시간 쌓아 올린 도약대 위에서 만개한 역량을 입증했다. 영국이 대대로 자랑해온 ‘기타 중심의 록’을 실현했던 울프 앨리스가 눈부신 발전을 거듭하며 대형 밴드 반열에 바짝 다가선다.

-수록곡-

  1. The beach
  2. Delicious things
  3. Lipstick on the glass
  4. Smile
  5. Safe from heartbreak (if you never fall in love)
  6. How can I ok?
  7. Play the greatest hits
  8. Feeling myself
  9. The man on earth
  10.  No hard feelings
  11.  The beach ll