‘그는 만난다(HeMeets)’. 특별히 목적어를 제시하지 않은 것은 그만큼 다양한 시도를 해보겠다는 의도로 읽을 수 있다. 이를 증명이라도 하듯 트로트 가수로 가요계에 발을 디뎠던 오샘이 주축인 히미츠는 처음에 어쿠스틱 듀오로 출발했으나 지금은 4인조 팝 밴드로 개편해 활동하고 있다. 포크 위주를 벗어난 시점에 발표한 첫 정규앨범 < 화성침공 >은 다채로운 이력만큼 폭넓은 스펙트럼을 펼치며 체제 전환의 이유를 확실히 보여준다.
신비로운 사운드로 시작하는 ‘복수초’부터 음악적 계절의 변화를 알린다. 통기타 하나에 의존했던 과거와 달리 정식으로 세션을 갖춘 밴드는 미디까지 적극적으로 활용하며 팀의 정체성을 새롭게 구축한다. 2017년에 발매했던 후크송 ‘믹스커피’도 편곡을 통해 진정한 의미의 인스턴트 트랙으로 변모한다. 느끼한 발성의 원곡보다 담백하게 보컬을 취하고 절과 절 사이에 신시사이저 연주를 곁들이며 중독성 짙은 일렉트로닉으로 재탄생했다.
한층 두터워진 단조 위주의 멜로디와 더불어 주목할 점은 특유의 스토리텔링이다. 단순한 사랑 얘기나 감정 공유하기가 아니다. 절체절명의 위기인 ‘화성침공’ 속 유일한 희망인 주인공은 외계인과 소통을 거부하며 무기력함을 내비치고 핼러윈을 맞아 세상 밖으로 나온 ‘드라큘라’는 정열적인 탱고 리듬과 인간의 피 냄새에 취해 밤거리를 떠돈다. 허구에나 존재하던 독특한 소재들을 차용한 노랫말은 뻔하지 않은 전개와 각색을 통해 유쾌한 매력을 발산한다.
앨범 타이틀에 걸맞게 비현실적인 요소들이 자주 나타나지만 실존하는 장소가 등장해 현실감을 더하기도 한다. 세탁기가 돌아가는 듯한 완급 조절의 ‘런드리’는 신촌 거리의 풍경을 소환하여 헤어진 연인과의 추억을 정리하고 현재는 재개발을 거쳐 아파트가 자리한 ‘홍은동 334-10’은 젊은 시절의 발자취를 되돌아보며 행복했던 지난날을 회상한다. 평범한 자전적 이야기로 여길 수 있으나 가사 전달력이 뛰어난 보컬과 합을 이뤄 충분한 공감대를 만든다.
히미츠는 일본어로 ‘비밀’이라는 뜻도 있다. 히미츠만의 내밀한 언어로 꾀어낸 단편집은 전자음의 도입으로 기존과는 또 다른 세계관을 정립했고 상상과 현실의 경계를 허물며 인디 아티스트의 음악적 자립이 결코 허황된 꿈이 아님을 깨닫게 한다. 신기루를 좇던 방구석 뮤지션의 노력은 헛되지 않았다. 눈앞에 아른거리기만 했던 환상은 실재했고 점점 그 실체를 드러내기 시작했다.
덥고 습하고 동시에 건조하다. 그 이질적인 온도와 습도만큼이나 음반이 주는 잔상은 묘하다. 때로는 기억하고 싶은 추억을 건드리는 것 같으면서도 또 때로는 곁에 두면 마음을 저릿하게 찌르는 순간들을 소환한다. 각 수록곡이 제시하는 풍경과 시대 역시 서로 다르다. 천용성이 만들어낸 노래 속 주체는 사는 게 조금 무력해진 듯 보이는 중학생, 눈 오는 새벽 당직을 마치고 집으로 향하는 직장인, 산소 호흡기를 달고 있는 어린아이를 거침없이 오고 간다. 그리하여 앨범은 지금의 나에게서 한 발짝 떨어져 세상을 노래한다. “분하고 더럽”지만 그럼에도 살아볼 만한 삶을 말이다.
2019년 < 김일성이 죽던 해 >란 독특한 제목의 첫 정규 앨범을 선보인 천용성은 시작부터 강인한 인상을 남겼다. 일상의 언어로 나지막이 써 내려간 그의 이야기가 따뜻하고 포근한 선율과 만나 앙상블을 이뤘다. 이듬해 그는 한국대중음악상 최우수 포크 음반과 노래 부문에서 수상하며 평단의 인정을 받는다. 하지만 세간의 기대만큼 들뜨지는 않았다. 여러 인터뷰와 음반 제작기를 담은 < 내역서Ⅱ >에서 고백했듯 쏟아지는 관심과 별개로 음악을 통해 얻은 수익은 적었다. 아니 부족했다. 그는 데뷔작의 성공을 두고 말한다. “우리끼리의 성공”이라고.
쉽게 조급해지지 않고 진중하게 삶을 바라보는 그의 심성이 잘 드러나는 대목이다. 음악 역시 그와 닮았다. < 수몰 >. 과거에는 누군가가 살았을 터전에 인위적으로 물을 채운다. 끝과 시작을 동시에 담고 있는, 그래서 어쩐지 마냥 명쾌하지만은 않은 단어를 주제로 삶을 그렸다. 어쿠스틱 기타, 플루트, 바이올린, 트럼펫 등 전작보다 확장된 악기들이 음반의 서정을 적절히 뒤받친다. 사랑하는 우리가 여기 있었음을 술회하는 ‘있다’, 먼저 간 친구 몫까지 살아내고 싶다 다짐하는 ‘거북이’ 등이 대표적인 트랙. 또 한편 맑은 음색을 가진 뮤지션 이설아와 함께한 타이틀 ‘수몰’은 재즈적인 터치로 밝지만 마음 한편의 쓸쓸한 감정을 신비로운 분위기로 포착해냈다.
천용성의 음악이 특별한 건 바로 이 양면성에서 나온다. 밝음과 어둠이, 행복과 불안이 공존한다. 음악을 만드는 걸 두고 그는 ‘자아를 파괴하는 일’이라고 표현했다. 하지만 보다 정확하게 그가 파괴한 것은 나를 요동치게 만든 어떤 감정의 장막들이었다는 생각이 든다. ‘보리차’가 빨리 식는 계절이 건네주는 시원함과 엄마의 자잘한 넋두리를 풀어낸 ‘설’날의 풍경이 제시하는 평범함. 그리고 죽음 이후 하늘에 아무도 없으면 어떡하냐는 불안함을 담은 ‘어떡해’를 오가는 와중 어디에도 거칠 거나 강한 제시는 없다. 다만 거리를 두고 잔잔하게 표현할 뿐이다. 이러한 삶을 또 저러한 삶을. 그를 거쳐 나온 음악에는 세상이 있고, 삶이 있고 우리가 있다.
– 수록곡 – 1.(feat. 시옷과 바람) 2. 거북이 3. 수몰(feat. 이설아) 4. 보리차(feat. 강말금) 5. 어떡해 6. 중학생(feat. 임주연) 7. 붉은 밤 8. 식물원(feat. 시옷과 바람) 9. 싶어요 10. 설 11. 반셔터(feat. 정우)
추억의 그룹을 재소환했던 역주행에 대한 응답이다. ‘10점 만점에 10점’, ‘Again & again’, ‘Heartbeat’ 등 수많은 히트곡을 배출하며 2000년대 후반 아이돌 열풍을 주도했던 투피엠은 멤버들의 군 입대와 개인 활동으로 조금씩 대중에게서 멀어졌다. 하지만 2015년에 발매한 ‘우리집’이 유튜브를 기반으로 뒤늦은 인기를 얻으며 다시금 화제의 중심에 섰다. 5년의 공백기를 가졌지만 성공적인 예열 작업을 마친 이들은 컴백의 필연성을 강조하듯 < Must >라는 강렬한 타이틀을 내세우며 본격적인 복귀를 선언한다.
역주행으로 뜨거운 반응을 일으켰던 ‘우리집’의 흥행 코드를 답습하며 복귀전을 치른다. 타이틀곡 ‘해야 해’는 매혹적인 피아노 연주와 펑키(Funky)한 기타 리듬, 반복적인 후렴구를 채운 여유로운 보컬로 멤버들의 농익은 섹시함을 부각하며 ‘우리집’에서의 은근한 유혹의 손길을 다시 한번 건넨다. 소프트한 팝 장르의 수록곡 ‘집 앞 카페’도 달콤한 가사와 함께 동일한 맥락을 따른다. 콘셉트와 사운드, 퍼포먼스까지 역주행의 성공을 의식한 결과물이지만 현재의 투피엠이 가진 성숙한 매력을 무난한 만듦새로 표현한다.
강렬하고 세련된 곡보다는 투피엠의 기존 색깔이 묻어난 곡들을 주로 수록하며 과거의 향수를 자극한다. 박진감 있는 멜로디에 서정성이 더해진 ‘보고싶어, 보러갈게’, 격정적인 건반 사운드에 애절한 보컬이 깃든 ‘괜찮아 안 괜찮아’는 ‘Without u’ 같은 투피엠의 애절한 댄스곡들을 떠오르게 한다. 청량한 하우스 풍의 ‘샴페인’, 감미로운 알앤비 곡 ‘Moon & back’ 등 새로운 시도의 흔적도 엿보이지만 과거의 분위기를 담아낸 곡들의 존재감이 상대적으로 크다.
절제된 섹시함이 매력인 30대 남자 아이돌 그룹의 포지션을 개척하며 그룹의 정체성을 잃지 않았다는 점에서 이들의 컴백은 유의미하다. 하지만 과거에 머물러 있는 이들의 음악적 고집은 복귀에 대한 반가움 이상의 의미를 이끌어내지 못하며 타이틀곡 ‘해야 해’ 역시 ‘우리집’이 가져온 화제성의 유효 기간을 한 발짝 연장하는데 그친다. 가장 잘할 수 있는 영역으로 내실을 다졌지만 도약과 성장의 발자취를 찾아보기는 어렵다.
– 수록곡 – 1. Intro. 2. 해야 해 3. 괜찮아 안 괜찮아 4. 보고싶어, 보러갈게 5. 샴페인 6. 집 앞 카페 7. Moon & back 8. 둘이 9. 놓지 않을게 10. 우리집 (Acoustic ver.)
10년이라는 길다면 긴 시간 동안, 우직하게 걸어온 여정은 같은 곳을 향하고 있다. 첫 작품이기도 한 < Softness >(2011)의 멜로우함과 부유감은, 신작인 < Plugged Eyes >(2021)에서도 여전히 그 날숨과 들숨을 반복하고 있다. 변한 것이 있다면 음악이라는 이름으로 서려 있던 불분명함이 뚜렷한 이미지로 각성해 있다는 사실이 아닐까. 마치 무슨 의미인지 알기 힘들지만 강렬하게 다가오는 어느 한 폭의 그림처럼.
시마 킴(Sima Kim)은 영국, 호주 등 해외를 중심으로 앰비언트 뮤직만을 일관성 있게 쫓아온 아티스트이다. 낯선 이들을 위해 잠시 설명하자면, 앰비언트 뮤직은 한마디로 말해 ‘공간의 음악’이다. 우리가 흔히 음악을 들으며 느끼는 명확한 비트와 멜로디 등의 존재감은 미미하고, 그 공백을 무의미한 음색이 하염없이 떠도는 듯한 느낌. 조금은 막연할 수 있는 미니멀리즘이 지배하는 음악이라고 하면 이해가 빠를 듯싶다. 해당 카테고리의 대표 뮤지션이라면 역시 브라이언 이노(Brian Eno)를 들 수 있으며, 대표작인 < Ambient 1: Music For Airports >(1978)은 ‘앰비언트’라는 단어를 처음 사용한 작품으로 해당 장르를 이해하는 데에 교과서처럼 언급되는 결과물이기도 하다.
오브(The Orb)나 에이펙스 트윈(Aphex Twin)과 같은 팀들이 대중적인 비트를 접목해 앰비언트 하우스라는 이름을 붙여 주류로 격상시켰지만, 그의 음악은 소위 ‘드론뮤직’이라고 불리는 미니멀리즘을 강조하며 트렌드의 반대편에서 정체성을 구축해왔다. 장르의 본질에 자연의 온화함을 덧댄 < Songs >(2012)가 있었고, 신시사이저를 통해 정적인 사운드 속 역동성을 새겨낸 < Whatever >(2014)도 있었다. 일본의 비트메이커 류에이 코토게와의 합작을 통해 전 세계의 힙스터들의 이목을 모은 < Exchange >(2015)는 어떤가. 아이돌을 제외한 한국의 음악가가 피치포크에 소개된 첫 사례이기도 했던 그의 음악 세계는, 큰 줄기는 유지한 채 과감한 시도를 거듭했던 일종의 실험실과도 같았다.
프로그래밍 언어를 통한 인간성 삭제로 음악 자체의 의미를 탐구한 < You Won’t Find My Punchlines Here >(2016)과 적극 개입한 전자음이 잔뜩 날을 세운 < It’s A Dream, Take Control >(2016), 43분여의 장대한 모호함을 통해 듣는 이들에게 음악이라는 존재에 의문을 던지는 ‘Ecology of sound’(2016)로 이어지는 펀치라인 트릴로지 이후 꼭 5년. 갑작스러운 활동 재개로 생존을 알린 그의 신보 < Plugged Eyes >(2021)는 잠시간의 익숙함 후에 파도와 같은 낯섦이 몰려오는 작품이다. 첫 감상에서도 알 수 있겠지만, 잔존하는 정서는 전과 유사하되 그것을 표현하는 방식에 꽤나 큰 변화가 일어난 탓이다.
이전 작품과 비교해 가장 크게 느껴지는 차이점은, 소리들이 그려내는 스케이프가 이전의 모호함과 달리 뚜렷한 이미지를 지향하고 있다는 사실이다. 전반적으로 명확해진 사운드와 맥락을 갖춘 선율의 전개는 마치 어느 시각적 심상을 청각으로 풀어낸 듯한 인상을 가져온다. 인트로의 메인 테마를 중심에 놓고 여러 겹의 사운드레이어가 입체적인 공간감을 부여하는 ‘Temple’은 이를 나타내 상징적 트랙. 미처 조율이 되지 않은 애처로운 피아노 연주가 여러 효과음들에게 공격받는 듯한, 인간성 거세의 삭막함이 느껴지는 ‘Vanished fantasy’까지. 앞선 두 곡만 듣더라도 예전의 그와는 다른 에고가 전개되고 있음을 어렵지 않게 알 수 있다.
결과론적인 이야기이긴 하지만, 이러한 시각적 심상의 청각화는 그가 공백 기간 동안 전념했던 아트스쿨에서의 경험과 연관이 있을 것으로 생각된다. 디자인과 시각예술을 공부하며 생겨난 또 다른 표현방식이 음악적 자아와 결합해 태어난 또 다른 아이덴티티. ‘음악’을 듣는 것에서 나아가 보이는 것으로도 완성될 수 있음을 시도해보고자 했던 것은 아닐까.
비교적 잔잔한 물결의 한 가운데에 금방이라도 파고가 일어날 것만 같은 폭풍전야의 세계가 눈앞에 그려지는 ‘Corridor’, ‘Vanished fantasy’의 결을 이어가되 역동적인 비트가 더해져 그 골격을 구체적으로 제시하는 앨범 타이틀과 동명의 곡 ‘Plugged eyes’까지. 홈메이드 신시사이저로 구축한 가상의 세계는, 실제 역사를 배경으로 하되 가상의 이야기가 전개되는 중남미 문학의 마술적 리얼리즘과도 맥이 닿아있는 듯한 환상성, 비일상성이 깊숙한 곳에서 까만 얼굴을 은근히 드러내고 있다.
소개 글에는 인류가 사라지고 자연과 인간의 유물인 기술만이 존재하는 세상을 관찰한 결과 태어난 작품이라고 적혀 있다. 이처럼 기계화가 가속되어 가는 사회를 향한 시선은 여전히 냉소적이다. 다만 청각과 청각의 일대일 매칭을 이루었던 지난 작품들과 달리, 시각과 촉각 등 공감각적인 영역으로 나아가 새로운 정체성을 구축하고 있다는 점에서 신보의 의미를 찾을 수 있을 것 같다.
이전보다 선명해진, 손을 뻗으면 잡힐 것만 같은 그런 소리 세계를 통해 그는 여러 질문을 던지고 있지만, 그저 수동적인 청취만으로는 그 맥락을 잡아내기 어려울 것이다. 더군다나 대중의 심기를 건드리지 않는 아티스트의 친절함이 미덕인 시대다. 앰비언트라는 생경하고 불친절한 걸어온 그에게, 기계화, 시스템화 되어가는 음악 신에 있는 우리는 과연 어떤 대답을 건넬 수 있을지. 이 작품이 가지는 의미는 수록곡들을 대하는 각자의 태도에 달렸다. 그가 역설적으로 회복을 종용하고 있는 듯한, 스스로 생각하고 사유하는 ‘인간적인’ 애티튜드 말이다.
(여자)아이들의 데뷔곡 ‘Latata’를 시작으로 전 타이틀곡의 작곡을 담당하며 일찍이 프로듀서로서의 역량을 키워온 전소연이 솔로로 나섰다. 그동안 창작의 방향성이 그룹 멤버들의 특성에 맞춰져 왔다면 첫 솔로 앨범 < Windy >는 온전히 그의 취향과 특색에 중점을 두며 스물넷의 전소연을 솔직하게 표현한다.
‘Latata’, ‘Uh-oh’, ‘덤디덤디’ 등 의성어에서 아이디어를 얻는 그만의 스타일은 이번에도 유효하다. 20대 중반의 찬란한 시기를 뜨거운 햇볕이 내리쬐는 여름에 비유하며 태양이 빔을 쏜다는 의미를 담은 ‘삠삠’이라는 독특한 단어를 소재로 삼았다. 타이틀곡 ‘삠삠’은 시원한 팝 록 사운드가 가미된 후렴구와 통통 튀는 플로우의 랩으로 자유를 향한 탈출을 노래하며 MZ세대가 가진 내면의 스트레스와 반항심을 분출한다. 청량한 음색과 멜로디로 계절감을 충족함과 동시에 그룹 활동에서 보여주지 못했던 새로운 캐릭터도 선보인다.
그룹의 음악적 지주로서 정체성의 큰 비중을 맡은 탓에 솔로 앨범이지만 개인보다는 (여자)아이들의 색깔이 진하게 묻어난다. 매혹적인 라틴 풍의 곡 ‘Weather’는 2019년에 발매했던 ‘Senorita’를 떠오르게 하며 ‘Psycho’는 경연 프로그램 < 퀸덤 >에서 공연했던 ‘싫다고 말해’의 광기와 서늘한 분위기가 느껴진다. 그룹의 음악에서 강하게 발휘되었던 개성이 오히려 솔로곡에서는 신선함을 반감시킨다.
타이틀곡 ‘삠삠’을 비롯해 앨범 전면에 내세운 자유분방하고 키치한 콘셉트는 그룹 활동에서의 전소연과는 분명 다르다. 대중에게 익숙한 전소연은 무대를 휘어잡는 카리스마와 강렬한 모습이지만 첫 홀로서기에서는 자극적이고 화려한 콘셉트만이 자신의 전부임이 아니라는 것을 보여준다. (여자)아이들에서의 독보적이었던 존재감이 빛나지는 않지만 < Windy >로 자신의 또 다른 음악적 자아를 개척한다.
-수록곡- 1. 삠삠 (Beam beam) 2. Weather 3. Quit 4. Psycho 5. Is this bad b****** number? (Feat. 비비, 이영지)
