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김뜻돌 ‘Cobalt'(2021)

평가: 3/5

‘돌 하나에도 뜻이 있다’라는 뜻을 가진 싱어송라이터 김뜻돌은 세상의 모든 마음을 소재로 자유로운 음악을 선보인다. 작년 발매한 첫 번째 정규작 < 꿈에서 걸려온 전화 >는 자신의 무의식을 집중 조명한 작품으로 내면세계의 깊은 곳까지 침투해 솔직한 감정들을 포착했다. 록, 포크, 재즈 등 틀에 박히지 않고 넓은 스펙트럼의 사운드를 한데 모은 데뷔 앨범은 ‘온스테이지2.0’를 계기로 화제를 모아 입소문을 타기 시작했고 한국대중음악상 신인상을 거머쥐며 대중성과 음악성을 양득했다.

꾸밈없는 이야기를 때로는 청초하게, 때로는 초연하게 변주해 스스로를 드러냈던 김뜻돌은 이제 청춘을 응시한다. < Cobalt >에는 우리네 청춘들에게 부치는 위로의 편지가 동봉되어 있다. ‘나는 내가 제일 중요해’라는 카타르시스 적 외침을 덤덤한 어쿠스틱 기타로 주도하는 ‘중요해’도, 이리저리 서툴기만 한 이들에게 각설하고 춤을 제안하는 ‘비 오는 거리에서 춤을 추자’에서도 거듭 위안과 격려를 표한다.

앨범에서 활용한 음악적 문법은 과거로 거슬러 올라간다. 아일랜드 밴드 마이 블러디 발렌타인의 정취가 느껴지는 ‘Cobalt’에서 그가 정의 내린 청춘의 진상을 파악할 수 있다. 코발트 빛은 찬란하고도 위태로운 청춘 속에서 캐낸 색감으로 1990년대 초반 슈게이징, 노이즈 록 사운드를 차용해 몽환적인 감각을 곤두세웠다. 전작의 ‘성큼성큼’과 연작의 성격을 띠는 ‘비 오는 거리에서 춤을 추자’는 얼터너티브 록 밴드로부터 받은 영향이 두드러진다. 스매싱 펌킨스의 대표곡 ‘1979’와 똑 닮은 기타 리프를 내세웠다는 점은 확고한 개성을 가진 김뜻돌에게 아킬레스건으로 작용할 여지를 남긴다.

그럼에도 불안정한 청춘을 그린 뒤 담백한 톤으로 상처를 봉합하는 ‘훨훨’까지 < Cobalt >는 탄탄한 구성을 겸비한다. 위로의 언어를 지난 시대로부터 획득한 영감으로 다채롭게 구현한 김뜻돌의 감각은 괄목할만한 공감을 불러일으켰다. 젊은 음악가가 오래된 음악으로 기록한 청춘은 찬란한 위태로움에서 푸른 색채의 꽃을 피워냈다.

-수록곡-

  1. Cobalt
  2. 중요해
  3. 비 오는 거리에서 춤을 추자
  4. 비 오는 망원로
  5. 훨훨
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아도이(ADOY) ‘Her’ (2021)

평가: 3/5

개러지 록을 구사했던 이스턴 사이드킥과 일렉트로닉 록밴드 프럼 디 에어포트라는 서로 어울리지 않을 것 같은 배경의 뮤지션들이 만나 결성한 신스팝 밴드 아도이는 지난 4년간 1장의 정규 앨범과 2장의 EP를 발표하며 트렌디한 국내 밴드 음악의 한 축으로 자리매김했다. 독창성과 대중성을 함께 포용해온 그간의 결과물들이 ‘커머셜 인디’로 일컫는 그들의 지향점을 지탱했고 가사의 90% 이상을 영어로 구성해 세계화도 꾀했다. 전작들과 마찬가지로 앨범 커버가 강렬한 잔상을 남기는 이들의 3번째 EP < Her >도 대중적 감각과 고유한 음악색 사이에서 평형감각을 유지한다.

신시사이저의 높은 지분율은 주요 선율을 책임지고 소리의 겹을 쌓은 독특한 질감을 주조한다는 점에서 전작들과 동일하다. 물결이 넘실거리듯 나긋나긋하게 진행되는 오프닝 트랙 ‘Simply’가 대표적인 사례다. 베이스 사운드가 돋보이는 로파이 곡 ‘Baby’와 곡 중간에 삽입된 라틴풍 리듬이 이색적인 ‘Ny’가 이들의 사운드스케이프가 신시사이저로 한정되지 않음을 드러냈다. 기승전결의 구성 대신 전체적인 분위기 형성에 중점을 두는 이번 앨범의 악곡 전개는 간혹 멜로디 선명도를 떨어뜨리지만 델리스파이스가 연상되는 서정성에 명확한 후렴구를 더한 신스팝 넘버 ‘Antihero’가 그 지점을 상쇄했다.

청춘을 주제로 복합적인 감정을 드러냈던 2018년도 정규 1집 < VIVID >와 달리 이번 앨범의 서사는 ‘Antihero’의 노랫말 ‘내일의 내 꿈처럼 할리우드로 도망가자’처럼 비현실적이면서도 낭만적이다. 뉴욕에서의 삶을 꿈꾸듯 그린 ‘Ny’와 헌신을 약속하는 ‘Saint’도 그 분위기를 이어가며 서사의 일관성을 제공했다. 현실 세계 이면의 낭만을 붙잡은 아도이의 < Her >는 꿈과 환상이 채색된 사랑으로 팬데믹이 야기한 단절의 공백을 채웠다.

– 수록곡 –
1. Simply
2. Antihero
3. Saint
4. Baby
5. Ny
6. Up

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이랑 ‘늑대가 나타났다'(2021)

평가: 4/5

뜨겁고도 차가운 맑은 것들의 힘

이 음반은 많은 것을 묻게 한다. 무엇 때문에 앨범의 지휘자 이랑은 이런 이야기들을 담게 되었는가. 2012년 첫 정규 < 욘욘슨 >, 한국대중음악상 최우수 포크 노래 부문 수상을 안긴 소포모어 < 신의 놀이 >(2016)에 이어 5년 만에 발매된 세 번째 풀 랭스는 전례 없이 강하고, 세고 어둡다. 늘 그가 손에 쥐고 사용하던 작법들, 어쿠스틱 기타와 첼로를 중심으로 곡을 쌓고 서로 다른 가사를 한 곡에 동시에 넣는 등의 구성은 비슷하지만 그 안에 적힌 메시지의 촉은 어느 때보다 날카롭다. ‘나’를 뚫고 지나 ‘사회’에 닿으려는 듯 갖은 비유를 넣어 목소리를 낸다.

이는 작품과 동명의 타이틀 ‘늑대가 나타났다’부터 선명히 드러난다. ‘이른 아침 가난한 여인이 굶어 죽은 자식의 시체를 안고 / 가난한 사람들의 동네를 울며 지나간다’는 내레이션으로 문을 연 노래는 합창단의 웅장한 코러스와 만나며 어떤 뜨거움을 전한다. ‘내 친구들은 모두 가난합니다 / 이 가난에 대해 생각해보세요’. 여기에는 명백히 개인을 넘어 세상을 향한 소리침이 담겨있다. 쿵쿵 울리는 드럼과 거기에 맞춘 여러 사람의 호흡은 힘을 주어 ‘우린 쓸모없는 사람들이 아니요’라며 분노를 토한다.

좁게 자신 주변의 것들을 다뤘던 데뷔작을 지나 < 신의 놀이 >가 적나라하게 가족과 죽음 등을 소재로 다뤘다면 이번 작품은 그 자체로 사회를 본다. 그가 의도했든 의도하지 않았든 앨범에는 솔직한 분노와 공감할 수밖에 없는 울분이 가득하다. ‘환란의 세대’는 지금껏 발표한 곡 중 가장 굵고 거친 이랑의 보컬이 담겨있다. ‘목도 안 메도 되고, 불에 안 타도 되고, 손목도 안 그어도 되고’란 가사가 연이어 펼쳐지는 와중 몇몇 사람의 얼굴들이 떠오른다. 그러니까 애써 고개 돌린 누군가의 삶이 여기에 있는 것이다. 특히나 이 곡은 코러스 버전으로도 실렸는데 노래의 끝, 두텁게 중첩된 기괴한 합창단의 울림이 마치 인생의 고통처럼 느껴지기까지 한다.

또 하나 돋보이는 변화는 독백의 적극 활용. ‘의식적으로 잠을 자야겠다’, ‘어떤 이름을 가졌던 사람의 하루를 상상해본다’ 등에 사용된 감정 없이 내뱉는 독백들은 음반에 가득 채워진 ‘말하고자 하는 욕망’ 혹은 ‘전하고자 하는 욕망’들과 다름없다. 그만큼 앨범은 메시지를 전하려 한다. 그리고 결과적으로 이는 적확하게 우리에게 온다. 영화감독으로, 에세이 작가로, 또 음악인으로 존재하며 그가 풀어낸 ‘내 얘기’들은 산재한다. 누구든 그를 볼 수 있다. 아니 누구든 그를 ‘온전히’ 볼 수 있다. 이랑의 서사는 언제나 티끌 없이 맑고, 거짓 없이 온전하게 공개되기 때문이다.

이것이 이번 앨범의, 나아가 ‘이랑’이란 아티스트의 핵심이다. 끊임없이 토해내는 그의 이야기들은 솔직함을 타고 더할 나위 없이 온전하게 다가온다. 삶에 밀착해 회고하는 친구, 가족, 죽음, 가난, 사랑, 일 따위의 것들이 이랑을 통해 순수하게 투영된다. 끝없이 그의 음악이 환호받는 것은 이 정제되지 않은 고백에서 시작될 것이다. 하나하나 곡이 쓰인 배경을 묻고, 듣고 싶게 한다. 지극히 개인적이고 그래서 사회적이며 정치적인 음반. 착실하게 두 땅에 발을 붙여 올곧게 ‘나’를 외쳤고 되돌아 울려 퍼지는 메아리는 그렇게 ‘우리의 것’이 된다.

  • – 수록곡 –
    1. 늑대가 나타났다 
    2. 대화
    3. 잘 듣고 있어요
    4. 환란의 세대
    5. 빵을 먹었어
    6. 의식적으로 잠을 자야겠다 
    7. 그 아무런 길
    8. 박강아름
    9. 어떤 이름을 가졌던 사람의 하루를 상상해본다 
    10. 환란의 세대(Choir Ver.) 
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선미 ‘6분의1’ (2021)

평가: 3.5/5

현 대중음악계에 지배적 위치로 군림하고 있는 레트로 유행의 핵심축은 1980년대 신스팝이다. 팝 신을 대표하는 스타 위켄드와 두아 리파 등의 2020년 활약이 한 해를 복고의 해로 규정한 영향이다. 시류에 민감한 국내 아이돌 그룹도 너 나 할 것 없이 해당 장르의 노래를 한 곡씩 앨범에 끼워 넣는 경우가 부지기수다. 하지만 대세에의 섣부른 편승 탓일까. 그중 이렇다 할 두드러지는 완성도를 보이는 곡은 쉬이 만나기 어렵다. 선미의 ‘You can’t sit with us’가 돋보이는 이유다.

찰랑거리는 신시사이저 리드와 둔탁한 드럼을 깐 ‘You can’t sit with us’는 상기한 팝스타들의 열기를 가져오면서도 간결한 멜로디와 산뜻한 사운드로 재포장해 한결 가볍게 응수한다. 더욱 특수성이 도드라지는 지점은 그만의 표현방식을 꼿꼿이 건져낸 가창. 특유의 매끄럽고 우아한 음성에 구성지게 발음을 씹는 벌스의 중독성과 매혹적으로 호흡을 끊어치는 후렴구 창법으로 일정 경지에 도달한 연기력을 입증한다. 아마 선미의 곡 중 그가 가장 노래를 ‘잘 부른’ 곡일지도 모르겠다.

이어지는 수록곡도 준수한 짜임새로 선미의 현재를 다양한 갈래에 펼쳐놓는다. 머릿곡과 유사하게 기존 노선과 비교해 한층 밝은 무드를 내비치는 것이 특징인데, 그간의 디스코그래피를 사실상 전담하던 프로듀서 프란츠의 아티스트에 대한 높은 이해도와 그의 독점에만 집착하지 않고 타 작곡가에게 한두 곡 힘을 빌려 다양화를 꾀한 결과다. 프로듀싱 팀 아티펙트(ARTiffect)의 고도의 신시사이저 탄력을 들을 수 있는 ‘Sunny’가 제목만큼 밝은 분위기로 선미에게 새 면모를 제시하고 나면 시티 팝 ‘6분의1’과 인디스러운 록 트랙 ‘Borderline’이 주축 동반자와 가수의 돈독한 상호작용으로 안정적인 영역 확충을 실행하는 식이다.

이러한 확장의 기치가 음악에서뿐만 아니라 내면에서도 감행된다는 점을 주목하자. 그간 솔로 곡 작사를 도맡으며 강조해온 아티스틱한 면모가 보다 심층적인 메시지를 전달하며 필력의 가파른 상승곡선을 그린다. ‘Narcissism’이 그 양상을 대표한다. ‘사이렌’이 떠오르는 시원시원한 코러스에 연인의 속박에서 벗어나 자유의 목소리를 드높이는 모습은 카타르시스 그 자체다. 영어 가사의 진입장벽이 있더라도 ‘Borderline’도 놓치지 말기를 권한다. 신경안정제 등 가수의 이면을 암시하는 날카로운 요소들을 집약해 팝스타의 고뇌를 노골적으로 토로하는 곡이니 말이다.

본격적인 홀로서기의 기점이 된 ‘가시나’ 이후 부단히 솔로 활동을 전개해왔음에도 그 개성과 작법이 쉬이 질리지 않는 점, 여기에 자유자재한 변색 능력을 더해 향후 활동에도 나름의 돌파구를 마련했다는 점이 그가 시공해온 독자적 영역이 어느덧 완공 단계에 이르렀음을 일러준다. 실력과 주체성으로 옹골차게 메꾼 앨범이다. 각양의 모습과 내면 응시 속 주인공 선미의 존재가 어느 때보다 또렷하게 각인된다.

– 수록곡 –
1. You can’t sit with us 
2. Sunny
3. 6분의1 
4. Call
5. Narcissism 
6. Borderline

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잔나비 ‘환상의 나라’ (2021)

평가: 4/5

잔나비의 시작을 알린 < Monkey Hotel >(2016)은 청춘들의 씁쓸한 현실과 복잡한 감정을 익살과 함께 풀어낸 ‘놀이터’와도 같았다. 레트로 음악의 아날로그적 정취를 품으며 1970-1980년대 전설들의 음악을 레퍼런스 삼았던 소포모어 < 전설 >(2019)은 매니아틱한 그룹사운드에게 대중적인 히트곡을 만들어주었고 몇 번의 성공을 통한 안정감을 기반으로 이들은 그동안 꿈꾸었던 장대하고 화려한 형태의 음악 세계, < 환상의 나라 >로 향했다. 야심이 깃든 기획에 따라 재기발랄하게 뛰어놀던 시작을 지나 장엄한 관현악 연주와 판타지적 장치, 시적인 가사를 통해 다이내믹하고 세밀한 짜임새를 가진 시공간으로 규모를 확장한다.

도입부와 피날레를 명확히 구분했던 데뷔작과 같이 이번 음반 또한 여러 장의 막으로 이뤄진 한 편의 뮤지컬을 떠올리게 하는 뚜렷한 기승전결의 구조를 취한다. 1분 남짓의 인트로 곡 ‘환상의 나라’는 동화 같은 분위기의 현악기 연주와 함께 서막을 열며 지저귀는 새소리와 산뜻한 컨트리 풍의 멜로디로 흐름을 이어가는 ‘용맹한 발걸음이여’가 앨범의 주제의식을 내포한 내레이션과 함께 본격적인 환상의 세계로 이끈다.

잔나비가 꿈꾸었던 거대한 세계는 비틀즈의 영향을 받았던 이들의 초심으로 돌아가 완성된다. ‘지오르보 대장과 구닥다리 영웅들’라는 부제를 덧붙이며 가상의 세계를 설정한 것은 1967년 비틀즈가 발매한 명작 < Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band >를 떠오르게 하며 전설의 이름들을 외친 수록곡 ‘비틀 파워!’는 그들에 의한 영향을 노골적으로 드러낸다. 재지한 멜로디의 연주를 이어가다 후반부에 빨리 감기의 형태로 템포를 극단적으로 전환하는 ‘로맨스의 왕’은 비슷한 구조를 가진 비틀즈의 ‘A day in the life’와 닮아 있다.

‘환상의 나라’라는 주제에 걸맞게 변화무쌍한 사운드와 톡톡 튀는 실험적인 아이디어들이 빈번하게 등장한다. ‘페어웰 투 암스! + 요람 송가’는 힘찬 드럼 연주가 이끄는 행진곡의 멜로디와 어둡고 무거운 분위기로 ‘용감한 발걸음이여’의 내레이션을 왜곡한 중반부, 그리고 경건한 송가의 형태로 마무리되는 예측 불가능한 전개를 택한다. 왈츠풍의 단조로운 멜로디 위에 웅장한 마칭 밴드의 연주가 겹겹이 쌓이며 무게감을 더하는 ‘고백극장’은 외로움이라는 주제의 본질을 우스꽝스럽게 풀어내며 재미를 더한다.

쉴 새 없이 부딪히는 악기들과 개성 넘치는 곡들의 변주가 혼을 쏙 빼놓지만 < 전설 >로 확립했던 잔나비의 대중적인 색깔 또한 놓치지 않는다. 타이틀곡 ‘외딴섬 로맨틱’은 대중이 가장 친숙하게 느낄 수 있는 서정적인 가사의 청량한 발라드 곡이며 강한 여운을 가진 최정훈의 보컬을 통해 촌스럽지만 뜨겁게 타오르는 청춘의 사랑, 꿈을 향한 아름다운 열정과 같은 앨범을 관통하는 메시지를 전한다.

대중적인 히트를 기록한 밴드는 결코 현실에 안주하지 않았다. 쉽게 실현할 수 없는 아이디어를 토대로 장중한 서사를 가진 콘셉트 앨범을 기획하며 한 걸음 도약을 위한 발판을 멋스럽게 구축한다. 특정 싱글에 임팩트를 부여하기보다는 내러티브의 유기적인 흐름을 견고하게 형성하며 싱글 단위로 곡을 소비하는 스트리밍의 시대에 한숨에 즐길 수 있는 앨범 단위의 청취를 제안했다. 요새 음악에서 쉬이 찾아볼 수 없는 낯선 문법을 취하면서도 아티스트와 함께 교감할 수 있는 메시지와 대중친화적인 음들의 향연도 놓치지 않으며 잔나비가 지휘하는 쇼의 무대로 대중을 끌어들인다.

– 수록곡 –
1. 환상의 나라
2. 용맹한 발걸음이여
3. 비틀 파워!
4. 고백극장
5. 로맨스의 왕
6. 페어웰 투 암스! + 요람 송가
7. 소년 클레이 피전
8. 누구를 위한 노래였던가
9. 밤의 공원
10. 외딴섬 로맨틱
11. 블루버드, 스프레드 유어 윙스!
12. 굿바이 환상의 나라
13. 컴백홈