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MZ세대의 음악 레전드 특집

음악은 저항 정신을 표현하는 매개체이자 자유를 실현하는 수단이다. 수십 통용되던 젊음의 코드가 낯설기만 MZ세대는 무엇이 당대 젊은이들을 열광하게 했는지, 기성세대에게서 간간이 들었던 ‘영광의 시절’의 주역에는 누가 있는지 알지 못한다.

하지만 거리가 있음에도 불구하고 이상하게 귀가 가는 밴드가 있다. 강렬한 밴드 사운드, 시대를 관통하는 메시지가 힙합과 아이돌 음악에 익숙한 이들에게 록과의 접점을 마련할 가능성을 제공한다. 스타들인 포스트 말론(Post Malone) 다베이비(DaBaby) 공히 노래한 곡이 스타.

이 리스트는 1950년대 태동한 이래 한 시대를 풍미했던 록 음악에 주목한다. 달라진 환경과 흘러간 시간만큼 록과 멀어진 현세대에게도 시대를 막론하고 통하는 록 밴드에는 누가 있는지, 지금 젊음의 시선에서 ‘그래도 이 밴드만은 챙겨야 한다’고 공감할 수 있는 레전드 10팀을 선정했다.

핑크 플로이드 (Pink Floyd)
핑크 플로이드가 1973년 발표한 < The Dark Side of The Moon >이 위대한 앨범임은 주지의 사실이다. 주변에 록 음악을 좀 듣는다고 하는 광(狂)들의 추천 목록에서 빠지지 않고 등장하기 때문. 찬사와 수식어가 늘 따라다니는 이 거룩한 밴드는 실험적 요소들을 음악에 대거 투입해 곡의 구성과 연주 방식의 범위를 넓혔다.

실제로 이들 음악은 기존의 일반적인 록과 달리 웅장한 사운드를 제공한다. 장엄한 아방가르드 록 사운드가 주는 장대한 분위기의 핑크 플로이드 음악은 청취를 거듭할수록 다채로운 감상이 가능하다. 유행하는 대중음악보다 진중하고 진취적인 체험을 원한다면 핑크 플로이드가 그 음악의 스펙트럼을 확장해줄 것이다. 특히 대표곡 ‘Comfortably numb’ 속 심금을 울리는 데이비드 길모어의 기타 솔로는 록연주가 선사할 수 있는 감동의 극치다.
추천곡:’Us and them’, ‘Wish you were here’, ‘Another brick in the wall, pt.2’, ‘Comfortably numb’

레드 제플린 (Led Zeppelin)
레드 제플린은 MZ세대가 가장 먼저 떠올리는 록 밴드의 형상을 지녔다. 긴 머리카락과 타이트한 바지, 그리고 단추를 풀어 헤친 화려한 셔츠를 입은 패션은 젊은 세대가 가장 먼저 형상화하는 록 밴드 이미지의 전형이다. 높은 음역대를 자유롭게 넘나드는 로버트 플랜트의 록 보컬 스타일, 기타리스트들의 영원한 로망인 지미 페이지의 연주도 역시 마찬가지다.

레드 제플린은 밴드 구성원 모두가 해당 포지션에서 전설적인 위치를 점하며 8개의 앨범 을 발매했다. 헤비메탈, 블루스, 사이키델릭, 레게 그리고 월드뮤직에 이르기까지 다양한 요소들이 내재한 그들의 유산은 록 음악의 교본으로서 회자된다. 역사상 가장 성공적인 록 밴드의 최고 명곡에 대한 의견은 저마다 분분하지만 밀도 높은 커리어 속 굳이 하나를 택한다면 ‘Rock and roll’에 표를 던지고 싶다. 대단한 연유가 있는 것은 아니다. 제목이 나타내듯 레드 제플린이 로큰롤 그 자체이기 때문.
추천곡:’Heartbreaker’, ‘Rock and roll’, ‘D’yer mak’er’, ‘Fool in the rain’

벨벳 언더그라운드 (The Velvet Underground)
현대 미술의 거장이자 숱한 명작들을 남긴 팝 아티스트의 선구자 앤디 워홀은 현재까지도 위용을 떨치고 있다. 당대 뉴욕 문화의 상징이었던 그는 비단 시각주의 예술뿐만 아니라 음악 분야에도 영향력을 행사했는데 우리에게 친숙한 흰 배경에 덩그러니 놓인 큰 바나나 하나와 ‘Sunday morning’, ‘Femme fatale’ 등으로 잘 알려진 벨벳 언더그라운드의 1집 커버가 바로 그의 작품이다.

외부의 입김과는 별개로 이 앨범에 담아낸 루 리드와 존 케일의 천재성은 새바람을 몰고 왔다. 전위적 성격의 사운드를 강조하며 당시 만연하던 히피즘에 대적하는 도발적인 주제를 다뤘던 이들의 음악은 가까운 미래 펑크(Punk) 록과 뉴 웨이브 음악에 막대한 영향력을 선사했고 나아가 얼터너티브 록의 기원으로도 여겨진다. 활동 당시 높은 평가를 받지 못했지만 벨벳 언더그라운드가 실현한 단순하고 아름다운 록은 뉴욕 언더그라운드 신의 활로를 개척했다. 따라 하기 쉽고 매력적이다. 출시된 지 수십년이 지난 후에도 그들 음악이 유독 세련되게 다가오는 이유가 여기에 있다.
추천곡:’I’m waiting for the man’, ‘Ride into the sun’, ‘Sweet Jane’, ‘Who loves the sun’

에이씨디씨 (AC/DC)
일관적으로 추구한 8비트 로큰롤에 타협이란 없었다. 한결같이 직진한 쓰리 코드의 포효는 전 세계 록 시장을 강타하며 약 5,000만 장의 앨범 판매량을 기록한 하드 록 최고의 걸작 < Back In Black >을 배출해낸다. 최근엔 마블 영화 < 아이언맨 > 시리즈와의 인연으로 더 친숙하다. 극 중 주인공 토니 스타크의 화려한 등장 신에 어김없이 이들의 음악이 흐르는데 스크린을 뚫고 뿜어져 나오는 맹렬한 에너지까지도 모두 8비트 로큰롤이다.

때로는 단순한 게 귀에 맴돈다. 심장이 먼저 반응하는 8비트 드럼 위 얹어지는 강렬한 리프, 그리고 폭발하는 고속 질주까지, 스트레스를 날리기엔 이만 한 게 없다. 복잡한 머릿속을 말끔히 정리해주는 에이씨디씨의 음악은 아마 지금을 살아가는 MZ세대들에게 일종의 진통제가 될 것이다.
추천곡:’T.N.T’, ‘Whole lotta Rosie’, ‘Highway to hell’, ‘You shook me all night long’

레너드 스키너드 (Lynyrd Skynyrd)
발음하기 어려운 밴드다. 레너드 스키너드는 멤버들의 학창 시절 고등학교 교사 이름을 익살스럽게 변형해 그룹명으로 삼았다. 올맨 브라더스와 미국 남부 블루스, 컨트리의 융합인 서던 록(Southern rock) 시장을 양분하다시피 해온 그들은 1970년대 3대 록 클래식으로 꼽히는 ‘Free bird’를 비롯해 ‘Tuesday’s gone’, ‘Simple man’ 등을 수록한 1집 외에도 수많은 록 고전들을 쏟아냈다.

리드 기타리스트가 셋이나 되는 레너드 스키너드의 풍성한 사운드는 미국 남부를 떠올리게 한다. 개러지와 블루스, 그리고 하드 록을 결합한 토속적인 질감이 한 번도 가보지 않은 앨라배마를 달콤한 내음이 가득한 고향으로 둔갑시킨다. 1977년 갑작스러운 비행기 사고로 3명의 멤버를 잃기 전까지 그들은 서던 록의 대표 주자로 전성기를 구가했다. 광대한 하모니를 그려냈던 대가들의 애달픈 결말은 먹먹한 그리움을 남긴다.
추천곡:’Free bird’, ‘Tuesday’s gone’, ‘Give me three steps’, ‘Sweet home Alabama’

클래시 (The Clash)
얼마 전 개봉한 디즈니 영화 < 크루엘라 > 사운드트랙에 클래시의 대표곡 ‘Should I stay or should I go’가 포함되었다. 펑크(Punk) 록의 원조 격인 그들은 작품 속 배경과 마찬가지로 1970년대 런던 젊은이들을 대변했다. 당시 갖은 사회 문제들로 혼란스러운 형국에 직면한 영국의 심장부에서 섹스 피스톨즈의 불꽃을 이어받은 이 4인조는 큰 파장을 몰고 왔다. 응축된 분노를 눌러 담은 노랫말이 곧 시위 문구가 되어 거리에 울려 퍼졌고, 그들이 고취시킨 저항 정신은 후배 펑크 뮤지션들의 귀감이 되었다.

메시지 측면에서 혁명과 노동 계급에 집중한 동시에 음악적, 장르적 모험도 서슴지 않았다. 스카, 레게의 요소를 접목한 곡들은 클래시의 새로운 면모를 부각하면서 쓰리 코드의 단순함 아니면 소음으로 치부된 펑크 록에 고(高) 퀄리티를 부여했다. 기억해야 할 클래시의 본질은 < London Calling > 앨범 표지 속 베이시스트 폴 사이모넌이 기타를 내리꽂는 모습으로 단번에 압축된다. 그들이 보여준 용기와 투쟁 정신은 모든 게 위축된 MZ세대에게 진정 록 스피릿이 무엇인지 일깨워줄 것이다.
추천곡:’White riot’, ‘I’m so bored with the U.S.A’, ‘London calling’, ‘Rock the casbah’

토킹 헤즈 (Talking Heads)
‘혁신’이라는 키워드는 현재 사회가 가장 필요로 하는 덕목이다. 토킹 헤즈가 구축한 혁신적인 음악 세계는 창의성과 독창성을 갈망하는 MZ세대의 니즈와 맞닿아 있다. 뉴욕의 CBGB 클럽에서 라몬즈(Ramones)의 오프닝 공연을 맡으며 커리어를 시작한 그들은 1977년 데뷔작 < Talking Heads’77 >로 지적 매력을 한껏 드러내며 단숨에 참신한 그룹으로 발돋움한다. 이후 브라이언 이노가 프로듀서로 가세하면서 최상의 시너지를 발휘해 미국 뉴 웨이브 신의 수작을 연이어 발표하며 주가를 올렸다.

독특한 음악관과 더불어 토킹 헤즈가 대중의 뇌리에 깊게 각인된 까닭은 프론트 맨 제임스 번의 지분이 압도적이다. 훤칠한 키와 번듯한 외모도 한 몫 했지만 무엇보다 무대 위에서 펼치는 기행에 가까운 라이브 퍼포먼스가 주된 요인이다. 언제 어디로 튈지 모르는 격렬한 춤사위는 그들 음악의 일부이자 상징이 된 지 오래. 그가 보여준 쇼맨십도, 딴 프론트맨에 비해 다소 엉성한 가창법을 구사하는 것도 다 신선하다. 매직 밴드!
추천곡:’Psycho killer’, ‘Life during wartime’, ‘Once in a lifetime’, ‘Road to nowhere’

표준화된 록의 시대에 폴리스는 영국 뉴 웨이브 신과 함께 화려하게 등장했다. 펑크 록에서 곧장 장르를 확대하여 레게, 재즈 등을 뒤섞은 사운드를 건설했고 매 앨범 선보인 변신술은 정체된 시장에 반향을 일으키며 미 대륙까지 뻗어갔다. 이러한 ‘뉴 브리티시 인베이전’의 주역에는 이미 우리에게 관능적인 영국식 발음과 함께 대표곡 ‘Englishman in New York’, ‘Shape of my heart’ 하면 바로 떠오르는 가수 스팅(Sting)이 있다.

밴드 시절 스팅의 모습은 솔로 시절과는 상반된 반전 매력을 엿볼 수 있다. 그는 기타리스트 앤디 서머스, 드러머 스튜어트 코플랜드와 완벽한 합을 이루며 짧은 활동 기간 발매한 5장의 스튜디오 앨범을 선구적인 프로젝트로 만들어냈다. 작품성과 상업성을 모두 득한 주요인은 삼각 편대의 팽팽한 균형이다. 감미로운 보컬, 파워풀한 드럼과 어우러지는 앤디 서머스 특유의 ‘쫀득한’ 기타 리프는 매번 놀라움을 안겨준다.
추천곡 : ‘Can’t stand losing you’, ‘Message in a bottle’, ‘Every little thing she does is magic’, ‘Every breath you take’

뉴 오더 (New Order)
클럽 음악의 형태는 현재 힙합과 EDM으로 정형화되었지만 1980년대 영국 클럽 신에 울려 퍼진 음악은 지금과는 다른 양상을 보였다. 일렉트로닉 록 요소와 신스팝을 가미한 뉴 웨이브 음악들이 맨체스터를 기반으로 흘러나왔고 그 중심에는 비극을 정면으로 돌파한 뉴 오더의 신화가 있었다.

조이 디비전의 그늘에서 출발한 뉴 오더는 전신 멤버 버나드 섬너, 피터 훅, 스티븐 모리슨을 주축으로 재결성했다. 댄서블한 록 사운드를 정직한 배열 아래 흡인력 있는 멜로디로 구사한 감각적인 문법으로 그들은 서서히 조이 디비전의 잔향을 지워갔고 훗날 ‘록+댄스’의 미친 맨체스터, 이른바 매드체스터라는 새로운 음악 형태의 근원이 된다. 물론 이 드라마틱한 서사는 멤버들의 역량이 탁월했기에 가능한 일이었다. 그중 단연 최고는 ‘인간 메트로놈’ 드러머 스티븐 모리슨. 자유자재로 리듬을 잘게 쪼개고 붙이는 그의 시그니처 연주는 언제 들어도 일품이다.
추천곡:’Age of consent’, ‘Love vigilantes’, ‘Bizarre love triangle’, ‘Round & round’

큐어 (The Cure)
큐어는 1970년대 말 태동한 고딕 록이라는 하위문화를 대표했다. 고스 족의 특징인 창백한 피부, 두꺼운 아이라인, 그리고 새빨간 립스틱을 바른 기괴한 화장법을 선보인 채 내면의 분노를 음울한 감성으로 담아 표출한 로버트 스미스는 고딕 록의 효시가 된 조이 디비전의 뒤를 이었다. 결성 초기 발매한 고딕 3부작을 대표적으로 작품들 속엔 사회의 어두운 측면과 허무주의가 만연하게 드러난다. 현재까지도 마니아들 사이에서 인기를 끌고 있는 고딕 문화에 입문하기에 제격이다.

큐어는 꾸준함과 장수의 아이콘이기도 하다. 데뷔 이래 다양한 장르에 일가견을 보이며 고딕 록, 얼터너티브 록 이외에 주류 팝 분야까지도 좋은 성적표를 거두었다. 로버트 스미스의 음산한 무드와 전형적인 기타 팝 감각이 의외의 시너지를 발휘한 것. 지금까지 대중에게 유명세를 치른 곡들도 이와 결을 같이 한다. 울분을 토하는 보컬과 서정적인 멜로디가 교차하는 아이러니의 매력, 이게 큐어다.
추천곡:’Cold’, ‘Just like heaven’, ‘In between days’,’Friday I’m in love’

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Album KPOP Album

정차식 ‘야간주행’ (2021)

평가: 3.5/5

불면에 시달리는 남자. 모두가 잠든 밤이 그에겐 유독 길어 어딘가로 떠나야만 공허함을 채울 수 있다. 끝나지 않는 밤의 허망함과 방랑자의 고독이 <야간주행>을 관류한다. 음울한 록 음악을 구사하던 밴드 레이니썬을 거친 정차식은 솔로 명의로 두 장의 정규 앨범을 발표했고 자신을 오롯이 드러내는 가사와 소리 체계로 주목받았다. 이번 앨범에서도 그는 주류에서 비껴난 외길을 걷지만 발자국은 선명하다.

이 외로운 뮤지션은 디지털 음원을 기본으로 하는 최신 가요의 문법에서 벗어나 1960~1980년대의 대중음악을 추적해 생경한 소리의 조합을 감행한다. ‘빛나네’는 영국 밴드 수퍼트램프의 ‘The logical song’처럼 월리처 피아노 풍으로 곡을 주도하고 종소리 효과음과 리듬 기타를 쌓아가며 담백한 펑크(Funk) 곡을 건설한다. ‘두 번째 날’은 ‘I’m your man’과 유사한 질감의 신시사이저로 레너드 코헨의 고독을 공유한 반면 정차식은 자신에게 상처를 줄 사랑을 회피한다.

침잠하는 내면의 1집 <황망한 사내>와 꿈틀대는 욕망을 유쾌하게 그린 2집 <격동하는 현재사>를 지나 다시금 차분해진 남자는 불면이 야기한 망상을 풀어낸다. 시와 닮은 노랫말은 서사보다는 서정, 직설보단 은유를 택하여 매끄러운 흐름을 포기하는 대신 구절 하나하나에 여운을 남긴다. 팔세토와 떨리는 음성에 읊조림까지 다양한 감정을 아우르며 레이니썬 시절에 갇히지 않고 변화하는 음악인임을 증명한다.

정차식은 청승과 신파로 시대를 역행한다. 빈틈없는 경쟁 시대에 누가 불면의 토로를 받아줄까 싶다가도 독자적 영역을 구축한 소리의 문학에 귀 기울이게 만든다. 그는 심연에서 허우적대는 자신을 소리와 활자로 남기는 데 주저하지 않는다.

– 수록곡 –
1. 두번째 날
2. 빛나네
3. 품위있게
4. 눈사람
5. 아래로 갔다
6. 서약

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KPOP Album

더 보울스(The Bowls) ‘If We Live Without Romance'(2019)

평가: 3.5/5

근래 이 정도의 야망을 내세우는 신인은 없었다. 더 보울스의 자신감은 동 세대 그들보다 음악을 많이 듣고 진지한 태도로 음악을 다루는 밴드가 없다는 믿음으로부터 온다. 블루스와 사이키델릭, 프로그레시브 등 고전의 육수에 퓨전, 펑크(Funk)와 알앤비, 몽롱한 얼터너티브를 뭉근히 끓여내던 이들은 이제 윤상을 모티브 삼아 ‘완벽한 가요’를 만들겠다는 당찬 포부까지 내세운다.

이지 리스닝을 향한 정진은 간결한 멜로디 리프를 남겨 두고 대부분의 소통을 사운드로 해결하던 지난날과는 사뭇 다른 자세를 가져온다. 보컬과 연주 파트의 구분은 의도적으로 모호하게 그려지며, 사운드 레이어를 층층이 쌓아 두고 하나의 특정한 이미지를 각인하고자 하는 노력이 들린다. 짧은 외침으로 끝나던 보컬의 비중이 늘었으며 기타의 뒤에 있던 건반을 전면에 내세우는 것도 의도적이다.

연성화 작업에서 우선 칭찬하고 싶은 것은 중심을 잘 잡고 있다는 점이다. 윤상과 하나뮤직, AOR 밴드들과 요트 록 등 상당히 다채로운 음악 재료를 가져와 활용하면서도 밴드는 헤매지 않는다. 영롱한 신디사이저 리프와 베이스라인을 기본으로 삼고 쨍한 기타 리프를 평행 전개하는 ‘Shy’는 일관된 슬로우 템포를 가져가는데, 곧바로 이어지는 나른한 1980년대 뉴웨이브 스타일 인트로 ‘Car’는 후반부 직선적인 드럼과 기타 솔로로 변칙을 준다. 그 와중 로다운30의 윤병주와 함께한 블루스 트랙 ‘Standard’로 그들의 근간을 잊지 않겠다고 다짐하는 데서 젊은 밴드의 패기도 느껴진다.

블루스 밴드의 지난날을 연상케 하는 기타 연주로 출발해 몽환적인 리버브 보컬을 얹은 후 재즈풍 드럼 리프로 시카고와 스틸리 댄을 소환하는 ‘Drive’는 정직한 윤현섭과 이학수의 드럼이 바탕을 잘 잡고 있기에 빛나는 곡이다. 실리카겔의 최웅희가 목소리를 더한 팝 록 ‘Candle’도 리듬 변화 없이 잔잔한 신스 음 위 로-파이 스타일의 기타 리프를 전개하는 것이 안정감을 준다. 어쿠스틱 사운드와 브라스를 교차하며 달콤한 분위기를 형성하다 얼트 록으로 자연스레 넘어가는 ‘Flash of love’와 잔잔한 후반부 트랙들에서 이런 차분하고 간결한 태도가 더 빛을 발한다.

거꾸로 보자면 < If We Live Without Romance >에는 과한 부분도 많다. 복고 스타일의 낭만적 건반 터치로 산뜻한 인상을 남기는 ‘Tidy’는 그 기조를 살리지 않고 몇 번이고 구조를 꼬아 놓으면서 오히려 감상을 복잡하게 만든다. 혼란의 사이키델릭과 맑은 피아노, 다시 발랄한 신스팝을 교차하며 현학적인 노랫말이 더해지니 어렵다. 싱어송라이터 홍갑의 보컬과 유려한 베이스 리프로 묘한 감성을 자극하는 ‘Daisy’ 역시 급하게 화제를 전환하며 장르를 바꿔 놓는 것이 꼭 다른 두 곡을 합쳐 놓은 인상을 준다.

복잡한 구조를 해소할 수 있는 보컬과 메시지도 중심을 잘 지키지만 과감해야 할 때 치고 나올 정도는 아니다. 풀 렝스 앨범에서의 서건호의 보컬은 초반 여유로운 분위기를 주도하는 ‘Plagiarism’과 ‘Car’, 후반부의 ‘엄마’와 ‘봄의 끝에서’에서 강점을 보인다. 반면 보다 강하게 나가야 할 ‘Tidy’나 ‘Daisy’의 후반부, ‘Candle’에서는 그의 인상적인 기타 연주처럼 감흥을 전달하지 못한다. 로파이의 나른한 로맨스와 낭만 사이서 구체적이지 않은 메시지도 ‘좋은 팝’을 망설이게 하는 요소다.

더 보울스의 이상과 현실적 구현물이 가장 조화로운 트랙은 낮은 톤의 보컬로 운을 뗀 후 점차 몸집을 불려 나가는 ‘Cosmos’다. 정격의 드럼 연주 위 기본과 기교를 오가는 베이스, 기본에 충실한 리프를 전개하다 과감하게 등장할 파트를 아는 기타와 가장 선명한 보컬이 각자의 자리에서 아름다운 감상을 안긴다. 완급조절에서 약점을 보이지만 이들은 기본적으로 음악에 대한 이해도가 뛰어난 루키다.

자신감 있는 신인 밴드의 준수한 데뷔 앨범이라는 점을 기억하면 앞서 엄격함은 잠시 덮어 둬도 좋겠다. 밴드는 흔치 않은 접근법으로 흔치 않은 헌사를 바치는데 이것이 튼튼한 완성도와 넓은 범용성을 갖추고 있다. 음악사의 빛나는 레퍼런스를 뭉근하게 끓여낸 더 보울스의 다음 과제는 밴드 고유의 얼큰한 감칠맛을 더하는 것이다.

– 수록곡 –
1. Plagiarism
2. Shy
3. Car
4. Drive
5. Tidy
6. Cosmos
7. Standard (Feat. 윤병주 of Lowdown 30)
8. Daisy (Feat. 홍갑)
9. Candle (Feat. 최웅희 of Silicagel)
10. Flash of love (Feat. 성진환)
11. Melody of love
12. 엄마
13. 봄의 끝에서