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피닉스(Phoenix) ‘Alpha Zulu’ (2022)

평가: 3.5/5

프랑스 국가대표 록밴드 피닉스는 아름다움을 연주한다. 1980년대 팝 록 사운드에 일렉트로니카를 엮은 데뷔작 < United >로 데뷔와 동시에 두각을 나타내고 < Wolfgang Amadeus Phoenix >에서는 수려한 멜로디 라인을 앞세워 빈티지 질감과 세련미를 아울렀다. 신스팝과 디스코를 부드럽게 저울질한 < Ti Amo >까지 지난 20여 년간 정립한 우아한 프렌치 스타일은 비좁은 록 시장에서도 찬란한 존재감을 발산했다.

형형색색의 디스코그래피를 구축한 밴드에게 2019년은 중요한 분기점이다. 사반세기 커리어 주요 순간마다 방향키를 나눠 잡고 음반을 공동 지휘한 핵심 프로듀서 필립 자르가 세상을 떠나고 머지않아 코로나19로 인한 초유의 봉쇄령이 내려진다. 동료 뮤지션 이상의 친구를 잃은 네 멤버는 상실감을 안고 루브르 박물관 내 팔레 뒤 루브르 스튜디오로 장소를 옮겨 조력자의 부재를 채워나간다.

자체 프로듀싱을 거친 5년 만의 신보는 순수한 태도를 간직한다. 유머러스한 ‘Alpha zulu’의 고동치는 리듬은 전작 < Ti Amo >의 그루브를, 뱀파이어 위켄드의 에즈라 코에닉이 힘을 보탠 ‘Tonight’의 캐치한 베이스라인은 < Wolfgang Amadeus Phoenix >를 각각 소환한다. 빈티지 감성의 신스록 넘버 ‘The only one’은 초기 작풍을 이식했다. 자글거리는 기타 리프와 파스텔 톤 신시사이저가 주조한 선율이 친숙하면서도 신선한 양가의 감정을 부른다. 구성원들의 연륜이 엿보이는 대목이다.

포근하게 과거를 망라한 앨범은 뉴웨이브 사운드와 소프트 록의 매끈한 프로덕션 아래 배열의 미학을 품는다. ‘After midnight’로 템포를 끌어 올린 직후 차분하게 호흡을 고르고(‘Winter solstice’), 반짝이는 신시사이저(‘Artefact’)를 앞세워 분위기를 환기한다. 후반부엔 힙합 요소를 가미한 스타카토 비트의 ‘All eyes on me’가 다시 한번 드라이브를 걸어 곡조를 전환하는 등 변칙적인 구성이 익숙한 악풍에서 새어 나오는 기시감을 상쇄한다.

2000년대 록 음악계에 새로운 물결을 일으켰던 파리지앵들은 고유의 작법으로 전면전을 펼쳤다. 음반엔 베테랑들의 능수능란한 프로듀싱 감각과 숙련도가 고스란히 묻어난다. 고인이 된 파트너의 빈자리를 자생력을 끌어올려 메웠고 그간 그룹을 지탱해온 유려한 사운드 메이킹을 충실히 구현했다. 스타일의 다변화라는 창작자의 숙명을 거슬러 아늑한 분위기를 조성한 < Alpha Zulu >는 여전히 흡인력이 깃들어 있는 프렌치 록 대표주자의 매끈한 앨범이다.

– 수록곡 –

  1. Alpha zulu
  2. Tonight (Feat. Ezra Koenig)
  3. The only one
  4. After midnight
  5. Winter solstice
  6. Season 2
  7. Artefact
  8. All eyes on me
  9. My elixir
  10. Identical
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글래스 애니멀스(Glass Animals) ‘Dreamland’ (2020)

평가: 2/5

빌보드 싱글 연간 결산의 정상을 오랜만에 밴드가 차지했다. 2020년 여름 발매된 글래스 애니멀스의 ‘Heat waves’가 숏폼 플랫폼에서의 인기를 시작으로 2022년 초 Hot 100 차트 1위를 거쳐 최종 승자가 된 것이다. (비록 수상은 불발되었으나) 4인조 밴드는 그래미 어워드의 신인상 부문에도 오르며 아는 이들만 알던 팀에서 주목받는 이름으로 떠올랐다.

통산 세 번째 정규 음반 < Dreamland >는 더도 말고, 덜도 말고 딱 ‘Heat waves’로 기대한 만큼을 들려준다. 얇은 보컬과 몽환적인 신시사이저, 그리고 드레이크가 ‘Hotline bling’을 부르던 2010년대 중반 힙합 스타일의 비트. 앨범은 이 키워드에서 거의 벗어나지 않는다. 덴젤 커리의 랩으로 분위기를 뒤집는 ‘Tokyo drifting’이나 긴장감을 품은 리듬의 ‘Your love (Déjà vu)’ 정도를 제외하면 나머지는 동어반복에 가까워 러닝타임 끝까지 집중하기 어렵다.

방점은 디스코그래피에서 처음으로 개인적인 내용을 다룬 가사에 찍혀 있다. 프론트맨 데이브 베일리는 유년기의 상징을 열거하는 ‘Dreamland’로 문을 열며 모두가 추억에 잠겼던 코로나19 팬데믹의 시대정신을 담아낸다. 한편 ‘Space ghost coast to coast’에서는 동명의 TV 애니메이션과 게임 목록에 학생 시절 겪은 총기난사 미수 사건을 병렬적으로 배치해 무조건적인 향수를 견제한다. 과거를 낭만적으로만 인식하는 복고 예찬 시대를 향한 날카로운 한방이다.

앨범은 점차 무거워져 어릴 적 친구 어머니의 가정폭력 피해를 노래하는 ‘Domestic bliss’까지 도달한다. 그 뒤를 이어 등장하는 이별 노래 ‘Heat waves’는 얼핏 뜬금없어 보이나 가사 뒤편에 위치한, 세상을 떠난 친구에 대한 이야기가 벼랑 끝에 놓였던 감정을 지하까지 끌고 간다. 친구의 생일인 6월마다 그를 생각한다는 후렴은 지난날에 집착하는 현대인의 모습이 결국 현실의 고통에 대한 반작용임을 시사한다.

가벼운 드라이브용 앨범처럼 들리지만 가사가 깊고, 텍스트에 몰입하기에는 음악이 단조로워 목적지가 불분명하다. 역동적이던 전작 < How To Be A Human Being >에 비하면 확실히 밋밋한 작품이다. 그래도 밴드의 미래를 기대하게 되는 것은 보너스 트랙으로 추가된 활기 넘치는 싱글 ‘I don’t wanna talk (I just wanna dance)’처럼 미니멀리즘 트렌드를 탈피할 때 펼칠 잠재력이 보이기 때문이다. 성찰과 재정비의 시기에 대중의 선택을 받았으니 남은 것은 관성을 유지하는 일이다.

– 수록곡 –
1. Dreamland
2. Tangerine
3. ((Home movie: 1994))
4. Hot sugar
5. ((Home movie: BTX))
6. Space ghost coast to coast
7. Tokyo drifting (With Denzel Curry)
8. Melon and the coconut
9. Your love (Déjà vu)
10. Waterfalls coming out your mouth
11. It’s all so incredibly loud
12. ((Home movie: rockets))
13. Domestic bliss
14. Heat waves
15. ((Home movie: shoes on))
16. Helium
17. I don’t wanna talk (I just wanna dance)

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시저(SZA) ‘SOS’ (2022)

평가: 3.5/5

장르 혼합을 시도하는 뮤지션은 많지만 온전히 자기 색채를 내는건 다른 문제다. 알앤비와 힙합, 록을 경유하는 음악적 취향은 장르 별 전문가의 조력으로 깊이감을 얻었고, 중심에 로파이 질감과 감각적인 가창이 있다. 켄드릭 라마와 함께한 < 블랙 팬서 > 삽입곡 ‘All the stars’와 도자 캣 공전의 히트송 ‘Kiss me more’로 각인된 싱어송라이터 시저의 소포모어 작 < SOS >는 아티스트의 성장을 고스란히 반영했다.

뭐라 딱 꼬집을 수 없는 사운드는 블렌딩의 결과다. 버라이어티 지 이제이 팰러니건(EJ Palanigan)의 ‘Varied Palette’란 표현처럼 드넓은 백지에 물감을 풀어헤친다. 자유로운 붓터치는 베이비페이스와 베니 블랑코를 비롯한 특급 프로듀서의 지도편달 아래 안정감을 구축했다. 돈 톨리버(Don Toliver)와 공연한 ‘Used’로 알앤비/힙합의 본진을 사수한 후 ‘Ghost in the machie’에서 피비 브리저스의 몽환성을 끌어안는다. 웰메이드 알앤비 앨범 < Ctrl >에 비해 확장된 사운드스케이프로 5년의 담금질을 공인했다.

근 3년의 작업 기간으로 트랙 수가 늘어났으나 3분 내외로 잘 다져진 곡들이 고루하지 않다. 인디 록을 도입한 ‘F2f’와 어쿠스틱한 ‘Nobody gets me’의 일관된 사운드 프로덕션은 통일감을 확보했고 곡의 마법이 아쉬워질 때쯤 ‘I hate you’와 ‘Good days’ 같은 기존 싱글과 등장한다. 베이스를 강조한 세번째 싱글 ‘Shirt’도 흡인력 있다.

웰메이드 알앤비 앨범 < Ctrl >에 이어 ‘Hit different’과 ‘Good days’ 같은 탁월한 싱글로 독자성을 획득했지만 < SOS >의 시사점은 남다르다. 녹진하고 진솔한 가사와 아날로그와 모던이 혼재하는 사운드로 스무개 트랙은 순도가 높고 자기주도권으로 메인스트림과 마니아 사이를 유연하게 줄타기한다. ‘세대의 재능’이라는 피치포크 에디터 줄리안 에스코베도 셰퍼드(Julianne Escobedo Shepherd)의 표현에 어울릴 법한 행보다.

-수록곡-
1.Sos
2.Kill Bill
3.Seek & destroy
4.Low
5.Love language
6.Blind
7.Used (Feat. Don Toliver)
8.Snooze
9.Notice me
10.Gone girl
11.Smoking on my ex pack
12.Ghost in the machine (Feat. Phoebe Bridgers)
13.F2f
14.Nobody gets me
15.Conceited
16.Special
17.Too late
18.Far
19.Shirt
20.Open arms (Feat. Travis Scott)
21.I hate u
22.Good days
23.Forgiveless (Feat. Ol’ Dirty Bastard)

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The 1975 ‘Being Funny In A Foreign Language'(2022)

평가: 3.5/5

전작 < Notes On A Conditional Form >에 비해 한결 단순하다. 기름기가 빠진 만큼 선명한 메시지가 드러나는 < Being Funny In A Foreign Language >는 사랑이라는 고전적인 주제에 집중한다. 선율 표현에 집중한 보컬과 완급을 적절히 조절하는 편곡이 조화롭게 어우러져 앨범을 재생하는 내내 귀가 편안하다. 지루할 쯤 치고 빠지는 경쾌한 효과와 예상치 못한 타이밍에 비틀어내는 코드 진행 등 밴드 특유의 장난스러운 음악적 표현들도 여전하다.

어렵고 진지한 메시지를 강하게 던지던 과거를 생각하면 비교적 직관적인 표현들로 눈을 돌린 모습은 일견 대중성을 확보하기 위한 전략적 후퇴로 보이기도 한다. 그러나 이러한 선택이 단순히 팝 현장의 정서에 굴복하는 것만으로 해석하기 힘든 것은 밴드의 개성적인 편곡과 음악적인 매무새 덕분이다. 게다가 외려 이 편안한 일관성이 풀 레인지로 들었을 때 트랙 간의 메시지 연결을 자연스럽게 만들기에 음반을 전반적으로 단단하게 만든다.

노래에 따라 목소리의 색채에 다양한 변화를 주는 프론트 맨 매튜 힐리의 가창과 동화적인 효과를 주로 사용하는 기타리스트 아담 한의 연주 조합이 근사하다. 하나가 된 모습이 마치 하나의 효과 장치를 돌려 쓰는 모양새다. 기본적인 톤은 분명 밝지만 미분음을 이용해 얼마간의 우울한 느낌을 이따금 의도하며 이를 교차한다. 음정을 아주 섬세하게 다룰 수 있어야 가능한 기술이다. 마지막 트랙 ‘When we are together’에서 이러한 모습이 잘 드러난다.

통일성 있는 사운드가 중심에 흐르지만 중간중간 귀를 잡아채는 음악적 시도가 음반의 완급을 조절한다. 밴드의 이름을 딴 첫 트랙 ‘The 1975’가 신비한 사운드로 서막을 올리는가 하면 포크 스타일의 곡 ‘Wintering’에선 발랄한 이미지를 연출한다. 약간의 흑인음악적인 색채가 느껴지는 ‘Human too’에선 깔끔한 그루브를 느낄 수 있다. 다양한 장르적 시도에도 멈출 때를 정확히 알아 난잡하지 않다.

잭 안토노프, BJ 버튼, 미셸 자우너 등 참여 뮤지션의 화려한 면면에도 밴드의 전체 커리어를 조망할 때 < Being Funny In A Foreign Language >는 확실히 차분하게 가라앉아 있다. 철학적이지만 현학적이지 않고, 사회 비판이 있으나 투쟁적이지 않다. 직전 음반의 화려한 시도에 비해서 자극적인 재미는 덜하지만 밴드가 지금까지 해온 시도들을 추출해 눌러 담았기에 진중하다. 말하자면 오랜 실험 끝의 결론이다.

-수록곡-
1. The 1975
2. Happiness
3. Looking for somebody (to love)
4. Part of the band
5. Oh Caroline
6. I’m in love with you
7. All I need to hear
8. Wintering
9. Human too
10. About you
11. When we are together

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제이아이디(J.I.D) ‘The Forever Story’ (2022)

평가: 4/5

신의 스포트라이트와 ‘드림빌 특급 유망주’라는 칭호. 최근 몇 년 사이 일궈낸 힙합 팬들의 열띤 지지가 부담으로 다가올 법도 하지만 제이아이디는 그 모든 기대를 찬사로 맞바꾼다. 2017년 제이 콜이 이끄는 드림빌 레코드 입단을 발판 삼아 정규작 < The Never Story >와 < Dicaprio 2 >를 발매하며 주가를 올린 그의 신보는 그가 그저 유망주가 아닌 어느덧 신을 이끌 수 있는 리더로 성장했음을 천명하는 작품이다.

야심이 그 여느 때보다 거대하다. ‘네가 엄마를 위해 연주할 노래를 가져왔지 / 여자들에게 들려줄 노래도 가져왔지 / 약쟁이들에게 팔 것도 가져왔지'(‘I got the sh*t you could play for your mama / I got the sh*t you could play for the hoes / I got the sh*t you could sell to the trappers’)라는 ‘Raydar’의 가사를 보라. 이 말이 허풍이 아닌 게, 음반은 자기 과시 트랙과 진심 어린 발라드, 가슴 시린 가족 이야기까지 실로 다양한 주제를 아티스트의 일취월장한 역량과 연결 지어 눌러 담는다. 제이아이디의 커리어 최고작이라는 평가도 평단과 애호가들 사이에서 속속 나온다.

초반부의 자기 과시 트랙들은 래퍼로서의 제이아이디에 주목하는 구간이다. ‘Never’나 ‘Off deez’ 등 이전의 뱅어에서 드러난 그의 랩은 한 방 카운터보다 스피드와 잽에 능한 복서처럼 묵직하기보다 가볍게 툭툭 치는 듯한 발성과 촘촘한 플로우가 특징. 본작에서도 그 주무기는 강력하다. 무거운 베이스 위로 날렵하게 라임을 내리꽂는 ‘Raydar’, 이전과 비교해 힘을 뺀 랩이 21 새비지와 찰떡궁합을 이루는 ‘Surround sound’가 중독성 있다. 특히 2절의 예측 불가한 플로우 스위치로 그의 재능을 유감없이 펼친 ‘Dance now’는 올해 최고의 힙합 싱글 중 하나.

프로듀서 크리스토(Christo)가 총괄하고 캐나다 연주 밴드 배드배드낫굿, 베이시스트 썬더캣 등 재즈 뮤지션들이 대거 참여한 프로덕션은 옛 재즈와 소울의 향취로 고풍스럽다. ‘Bruddanem’에서는 신스 펑크(Funk) 그루브 위 흡사 앤더슨 팩처럼 노래하기도 하고, 모스 데프가 피쳐링해 무게감을 살리는 ‘Stars’에서는 부유하듯 몽환적인 오케스트레이션이 일품이다. 올드 힙합과 블랙 뮤직에 대한 헌사는 ‘Surround sound’에서 본격적으로 행해지는데, 아레사 프랭클린의 ‘One step ahead’를 모스 데프의 1999년 작 ‘Ms. Fat Booty’와 거의 동일한 방식으로 샘플링했다. 옛 힙합 팬들에게는 반가움을, 신세대 리스너들에게는 신선한 감흥을 전달할 신구를 아우르는 전략이다.

음악적 완성도와 더불어 세밀하고 진심 어린 가사도 깊은 인상을 남긴다. 주된 글감은 각별한 가족 이야기. 전작에서도 자전적인 메시지를 드러낸 바 있는 그이지만 본작에서는 일곱 남매로 자란 어린 시절 배경을 더욱 구체적으로 풀어내며 서사의 밀도를 높였다. ‘Crack sandwich’는 이웃과의 다툼을 통해 더욱 끈끈해진 남매의 일화를 생생한 스토리텔링으로 풀어내고, 음울한 비트와 제임스 블레이크의 몽환적인 후렴구가 공존하는 ‘Sistanem’에서는 돈을 벌고 유명해질수록 소홀해진 여형제와의 관계를 한탄한다. 이 분야에서 백미는 단연 ‘Kody blu 31’. 언뜻 빌 위더스의 ‘Lean on me’가 연상되는 포근한 멜로디로 일찍 세상을 등진 친구의 아들을 애도하는 노래는 ‘그럼에도 삶은 계속해서 나아가야 한다’는 강인한 메시지를 새기며 단연 앨범에서 가장 진한 여운을 남긴다.

힘들었던 과거에 마냥 사로잡힐 수는 없기에, 그는 나은 미래를 소망하고'(‘Better days’) 인생의 많은 낙관에도 ‘사랑을 느껴라’ 청자를 독려한다.(‘Lauder too’) 그가 앞날을 향해 새긴 한 줄 희망의 언어가 보편의 메시지로서 제이아이디 자신을 넘어 우리에게 닿을 때 기품 있는 엔딩 크레딧이 장식된다. 만개한 기량과 깊어진 서사가 빛을 발하는 올해 최고의 랩 앨범 중 하나다. 드림빌 에이스의 성장이 절정에 달했다.

– 수록곡 –
1. Galaxy
2. Raydar
3. Dance now (Feat. Kenny Mason) 
4. Crack sandwich
5. Can’t punk me (Feat. EarthGang)
6. Surround sound (Feat. 21 Savage, Baby Tate) 
7. Kody blu 31 
8. Bruddanem (Feat. Lil Durk)
9. Sistanem 
10. Can’t make u change (Feat. Ari Lennox)
11. Stars (Feat. Yassin Bey, BadBadNotGood)
12. Just in time (Feat. Kenny Mason, Lil Wayne)
13. Money
14. Better days (Feat. Johnta Austin) 
15. Lauder too (Feat. Raven Lenae, Allen Kane)