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림킴 (2019)

과격한 ‘Sal-Ki‘로 김예림을 살해한 림킴은 < Generasian >으로 본인의 이미지 변신이 즉흥적인 일탈이 아님을 증명하려 한다. 얼마나 독한 결심인지 이름과 배경 지식을 가리면 그 누구도 과거의 그가 < 슈퍼스타 K3 >의 투개월로 데뷔한 솔로 가수였다는 사실을 알 수 없을 정도다. 유년기 유학 경험으로부터 발견한 ‘동양’과 ‘여성’의 정체성 아래, 거칠고 파괴적인 선동과 실험을 이어가는 림킴에게선 일단 ‘단단히 준비된’ 모습이 포착된다.

‘민족요’의 수미상관 구조 속 노래들은 확실히 충격과 공격, 전복을 의도하고 있다. 긴 공백기의 내면 탐구 과정을 호기롭게 ‘신세계’라 선언하는 ‘민족요(Entrance)’의 우리 가락부터 ‘아시아 현상’을 노래하는 ‘Yellow’, 인더스트리얼으로부터 잔뜩 벼린 날붙이들의 거친 충돌 ‘Digital khan’과 신비로운 ‘Mong’, ‘Yo-Soul’까지. 프로듀서 노 아이덴티티(No identity)와 림킴은 전에 없던 소리와 전에 없던 콘셉트를 향해 거침없이 진군한다.

변화의 중심축이 잘 잡혀 있어 그 결과물도 나쁘지 않다. ‘호접몽’의 개념을 빌린 ‘Mong’과 마법(Magic)의 동양 개념 ‘Yo-Soul’의 신비로운 멜로디에서 림킴은 자연스러운 뮤즈가 되어 최적의 가창을 들려준다. 본인이 보컬보다 더 자연스럽다고 밝힌 랩도 ‘Sal-Ki‘에 비해 많이 발전했다. 일본 교복, 조신함, 중국 경극 등으로 희화화된 동양 여성의 고정관념을 비틀어 반항하는 ‘Yellow’의 삐딱함, ‘Digital khan’의 당당함 모두 무리 없이 소화한다.

유교 문화권 하의 억압적인 젠더 구조, 가부장제 사회 속 고통받는 한국 여성들에게 림킴의 행보와 음악은 상당한 카타르시스로 다가온다. 동시에 < Generasian >은 무국적을 지향한다. 인터넷 시대 ‘디지털 유목민’을 유목 민족의 지도자 ‘칸’으로 격상하여 ‘Digital Kahn’이라 선포하고, ‘민족요(Entrance)’를 제외한 모든 곡을 영어 가사로 쓴 것이 그 증거다. 언뜻 장점 같지만, 언어나 문화 등 민족적 색채를 더 강화하는 것이 최근 세계 시장에서 더 호응을 끌어냄을 고려해보면 단점이다.

림킴은 수많은 아시아 여성 뮤지션들의 발화에 분노와 전통의 언어를 더하며 표현의 가능성을 확장했다. 우리의 민속 음악, 실험적인 테크노, 힙합을 자유로이 풀어내는 모습은 영국의 엠아이에이(M.I.A), 아프리카 토속의 리듬을 전자음으로 풀어낸 뉴욕의 제이린(Jlin)을 연상케 한다. 아시아의 경우 대만의 아리스토파네스(Aristophanes) 등 중화권 위주로 많은 아티스트들이 정체성을 당당히 표현하며 편견에 맞서고 있는데, 림킴이 이 흐름을 영리하게 포착했다.

아티스트 개인에게 < Generasian >은 훌륭한 ‘전세 뒤집기’지만 그것이 우리 세대에게 ‘지속 가능한’ 작품인지에 대해선 물음표가 붙는다. 대개 독특한 콘셉트로 승부하는 아티스트들은 구성의 처음부터 끝까지 전권을 꽉 쥐고 있는데, 림킴의 ‘동양 여성’은 자주적인 모습 아래 앞서 언급한 레퍼런스와 프로듀서의 색채가 꽤 짙다. 거친 신생 혁명 여전사의 성공 여부는 정체성의 활용과 정체성에 매몰되는 것 사이의 진지한 고민에 달려있다.

– 수록곡 –
1 민족요 (Entrance)
2. Yellow
3. Mong
4. Digital khan
5. Yo-soul
6. 민족요 (Exit)

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Bon Iver – ‘i, i’ (2019)

bon iver i,i에 대한 이미지 검색결과

2008년 데뷔작 < For Emma, Forever Ago >는 비교적 단순한 포크였으나 2011년 2집 < Bon Iver, Bon Iver >와 2016년 3집 < 22, A Million >에서 활용한 현악기, 관악기, 전자음은 본 이베어를 실험적인 밴드로 만들었다. 다양한 소리로 음악을 구성한 이번 < i, i >도 이러한 흐름을 유지하면서 자신들만의 음울한 감성을 놓치지 않았으며 포크의 끈도 잘 엮어 팀의 뿌리를 튼튼하게 다졌다.

1집을 떠올리게 하는 포크, 정체를 알 수 없는 신시사이저의 사운드, 이펙트 가득한 보컬까지 본격적으로 앨범을 여는 ‘iMi’는 시작부터 < i, i >의 매력을 드러낸다. 여러 소리가 얽힌 가운데 우울감이 맴도는 본 이베어만의 개성은 이후 주술적인 느낌의 ‘We’와 현대적인 ‘Holyfields’로 평범하지 않은 결을 과시한다. 날것의 < For Emma, Forever Ago >를 다듬고 복잡했던 < 22, A Million >을 정리해 얻은 결과를 음반의 초반부터 장식해 변화를 암시한다.

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< i, i >의 중심은 앨범에서 중간 지점을 차지하는 ‘Hey, Ma’, ‘U (Man like)’, ‘Naeem’이 담당한다. 확실한 멜로디로 호소력을 발휘하는 보컬과 익숙한 분위기를 이끄는 피아노가 음악의 차원을 한 단계 높인다. 브루스 혼스비의 연주가 흡인력을 자랑하는 ‘U (Man like)’는 그의 데뷔작이자 출세작인 1986년 넘버원 싱글 ‘The Way It Is’의 영롱한 피아노 연주가 떠오른다.

자유로운 노래를 찾는 팀의 리더 저스틴 버논은 카니예 웨스트의 2010년 < My Beautiful Dark Twisted Fantasy >의 ‘Monster’ 등에도 참여해 얻은 실험성의 토대를 쌓기 위해 피처링을 늘렸다. 브루스 혼스비의 ‘U (Man like)’를 비롯해 제임스 블레이크가 참여한 ‘iMi’, 와이 오크로 활동하는 젠 와스너의 ‘Faith’처럼 동료 뮤지션들의 합류가 도드라진다. 저스틴 버논의 일인 밴드로 출발한 본 이베어는 자신의 한계에서 벗어나기 위해 그룹으로 확장했고 친한 음악가와 합작하면서 음악의 의미를 넓히고 있다.

음반의 장점을 나열했지만 본 이베어의 음악은 여전히 쉽지 않다. ‘Hey, Ma’, ‘U (Man like)’ 정도를 제외하면 뚜렷한 멜로디를 확인하기 힘들며 < 22, A Million >부터 확연했던 타악기 연주도 거의 없다. 어렵다는 말이 반드시 부정적이라는 뜻이 아닌 것처럼, 높은 진입 장벽을 넘어서면 빛을 발하는 음악들과 생소한 사운드 속에는 낙엽이 지는 아련한 감성이 숨어 있다. 본 이베어의 < i, i >는 그 고통의 과정을 거쳐야 경험할 수 있는 평범하지 않은 음반이다.

-수록곡-
1. Yi
2. iMi 
3. We
4. Holyfields
5. Hey, Ma 
6. U (Man Like) 
7. Naeem 
8. Jelmore
9. Faith 
10. Marion 
11. Salem
12. Sh’Diah
13. RABi

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Lana Del Rey ‘Norman Fucking Rockwell!’(2019)

미국은 더 이상 위대한 나라가 아니다. ‘미국을 다시 위대하게(Make America Great Again)’를 슬로건으로 내건 대통령이 국경에 장벽을 건설하고, 자국 우선주의와 폐쇄주의에 입각해 무역 전쟁을 벌이고, 인종 차별을 부추기며 자유와 아량의 국가 정신을 급속히 해체하는 중이다. 

라나 델 레이는 작금의 미국에 ‘아메리칸드림’의 첫 위기였던 1920년대, 베트남 전쟁과 히피들의 1960년대 렌즈를 투영해본다. 세계 대전 후 자본의 풍요 앞에 쾌락 지상주의가 도래한 상실의 시대, 최초의 패전 앞에 기성의 질서가 해체되던 시대는 부동산 재벌을 국가 지도자로 선출한 이 시대 욕망과 꼭 닮았다. 우아하고도 음울하며, 황홀하고도 섬세한 팝을 노래하는 아티스트는 앨범 대신 ‘동시대의 기록’을 원한다. 


아메리카니즘의 상징적인 잡지 < 새터데이 이브닝 포스트 > 표지로 1920년대 미국인의 삶을 기록한 화가 노먼 록웰은 그래서 ‘Norman Fucking Rockwell’로 새로이 명명되어야 한다. 그가 충실하게 구현한 미국의 일상이란 대공황의 단초와 방종을 눈치채지 못한, 시대의 안이함이자 물질적 부유함에 눈을 가린 기록이었다.

동명의 오프닝 발라드에서 라나 델 레이는 앨범의 모순된 테마를 분명히 하는데, 풍성한 챔버 팝으로 ‘거의 사랑한다고 말할 뻔했던’ 쾌락을 노래하면서도 곡을 마무리짓는 것은 ‘넌 그저 남자아이일 뿐이야’라는 차가운 냉소다. 화려하고 방탕한 표면 아래 희석되어가는 아메리칸드림은 정교하지 못하고 모순되어있으며, 이는 아티스트가 명확한 주제 없이 번민하고 방향 없이 부유하는 원인이 된다. 

< Norman Fucking Rockwell! >엔 수많은 ‘Fuck’이 등장한다. 그 ‘Fuck’은 조소, 탄식, 분노임과 동시에 경탄, 쾌락, 허무의 감탄사로도 기능한다. ‘Mariners apartment complex’의 짙은 퍼즈 기타 속 소녀는 ‘망가진’ 채로 분노를 내뱉고, 러닝 타임 9분의 사이키델릭 신스 팝 ‘Venice bitch’의 퇴폐적인 커플은 빛바랜 노스탤지어 속 노먼 록웰과 파더 존 미스티, 토미 제임스의 1968년 ‘Crimson and clover’를 직접 언급하며 ‘Fresh out fucks forever’라는 칭호를 가져온다.

반대로 우울한 ‘Fuck it i love you’의 라나 델 레이는 간절하다. 화려한 네온사인 도시에서 대공황 시기의 유행가 ‘Dream a little dream of me’를 부르는 그는 기어이 ‘젠장, 널 사랑해’라 애절히 읊조리며 사라져 가는 시대정신을 붙잡기 위해 안간힘을 쓴다. 

역설의 소용돌이를 잔잔히 읊어나가는 라나 델 레이가 또 하나 숨기지 않는 것은 그가 나고 자란 캘리포니아의 찬란한 태양이다. 염세적인 냉소와 간절한 기도, 연민의 시선과 치유의 낭만을 따스한 햇살로 보듬는 이 공간은 1960년대 히피들이 사랑과 평화를 노래하며 자유를 꿈꾼 동시에, 방종한 쾌락으로의 변질을 막지 못했던 아릿한 낭만의 공간이다.

말리부에서 태어난 라나 델 레이가 자연스레 체득한 ‘미국의 소리’는 메인 프로듀서 잭 안토노프의 손길 아래 잔잔한 피아노 인트로와 챔버 팝, 히피들의 사이키델릭과 섬세하고 웅장한 오케스트라를 분주히 오가며 이 부조리극의 훌륭한 작법으로 기능한다. 

‘The greatest’에서 비치 보이스와 데니스 윌슨을, ‘Bartender’에서 크로스비 스틸스 앤 내쉬 등 대중음악의 전설을 언급하는 그의 꿈은 ‘미친 사랑(Crazy love)’ 아래 원하는 모든 것을 다 해보겠다는 낭만의 ‘California’로 구체화된다.

그러나 이 미래의 다짐은 곧 사랑하는 연인과 함께 미국 최고의 앨범을 만들겠노라 낭만을 나눴던 과거형의 ‘The next best american record’로 쓸쓸히 아지랑이 진다. ‘모든 순간이 자장가’ 같다는 ‘Happiness is a butterfly’의 낭만은 할리우드의 바인 스트리트와 술집에서 움켜쥘 수 없는 간절한 사랑으로 흩어지기도 한다. 

그럼에도 작품은 셔우드 앤더슨의 고립, < 이지 라이더 >의 방랑보다 피츠제럴드의 개츠비와 가깝다. 일견 허무하고 공허할지언정 아티스트의 시선 속엔 사랑에 대한 굳건한 믿음이 분명히 존재하고, 그것이야말로 모든 것을 비즈니스로 바라보는 대통령의 시대를 구원할 사상임을 분명히 하고 있다.

풍요와 낭만을 담아낸 슬림 애런스(Slim Aarons)의 포토북을 읽으며 아이패드 화면과 함께 오늘날로 돌아온 라나 델 레이는 ‘행복은 나 같은 여자가 갖기엔 너무 위험한 것 – 그러나 난 가졌다네(Hope is a dangerous thing for a woman like me to have – but i have it’를 차분히 읊조린다. 

2013년 ‘Young and beautiful’을 부르며 영화 < 위대한 개츠비 >의 황망한 아메리칸드림을 수놓은 것이 6년 전이다. 오늘날 라나 델 레이는 미국이 겪었으며 또 겪고 있는 광란의 시대를 담담히 목격한 후, 허탈하고 텅 비어있음에도 좌절하지 않고자 한 편의 꿈꾸는 듯한 판타지를 써 내려간다. 때때로 이것은 모호한 환상처럼 들리기도 하지만, 망각을 종용하는 2019년의 미국에 흐릿해진 이상을 다시금 새겨 넣으려는 분명한 의도가 중심에 단단히 존재한다. 

21세기의 헤밍웨이와 피츠제럴드를 꿈꾼 아티스트의 < Norman Fucking Rockwell! >에는 그들을 계승하는 각성의 메시지와 이를 전달하는 화자의 번민이 아름답고도 쓸쓸하게 녹아있다. ‘위대한 개츠비’의 마지막 문장처럼 ‘물결을 거스르는 배처럼, 쉴 새 없이 과거 속으로 밀려나면서도 끝내 앞으로 나아가는 것’을 지키고자 하는 트럼프 시대의 싱어송라이터가 그의 커리어에 역사성과 정통성을 추가하는 순간으로 요약할 수도 있겠다. 그레이스 슬릭, 조니 미첼, 닐 영, 크로스비 스틸스 앤 내쉬, 이글스의 옆에 라나 델 레이의 이름이 새겨진다. 

– 수록곡 –
1. Norman fucking rockwell 
2. Mariners apartment complex 
3. Venice bitch
4. Fuck it, I love you 
5. Doin’ time
6. Love song 
7. Cinnamon girl
8. How to disappear
9. California 
10. The next best american record
11. The greatest 
12. Bartender
13. Happiness is a butterfly
14. Hope is a dangerous thing for a woman like me to have – but I have it 

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트와이스 ‘Feel Special'(2019)

평가: 2.5/5

박진영이 있기에 트와이스는 ‘스페셜’하다. 지난 4년 동안 쉴 틈 없이 달려온 케이팝 최전선 아이돌 그룹의 현재, 멤버 미나의 휴식 선언과 지효의 열애설 등 복잡했던 배경을 ‘세상이 아무리 날 주저앉혀도 / 아프고 아픈 말들이 날 찔러도 / 네가 있어 난 다시 웃어‘라는 노랫말로 진솔히 풀어낸다. 가끔 투박하게 느껴질 때도 있지만, 이런 비즈니스 이면의 진심 어린 접근이 여타 3대 기획사와 차별되는 JYP만의 강점이다.

아이러니하게도 ‘Feel special’을 특별하지 않게 만든 존재 역시 박진영이다. 해외 작곡가들과 함께 구축한 투스텝 하우스 사운드는 세련된 데 반해, ‘Signal’과 마찬가지로 멜로디 라인이 구식이다. 원더걸스, 미스에이까진 유효했던 JYP 특유의 마이너 코드 선율이지만 2019년의 트와이스에 어울리진 않는다. 달콤함과 차가움 사이서 길을 잃었던 ‘Fancy‘에 비해 확실한 성숙을 지향하며 일관된 모습은 있으나, 그 완성도나 표현의 방법은 역대 트와이스의 곡 중 최하위권이다.

반면 앨범은 꽤 들을 만하다. 타이틀 트랙이 만들어놓은 쓸쓸하고 차분한 분위기 아래 도회적이고 시크한 일렉트로 팝을 잘 배치한 덕이다. 해외 작곡가들의 대거 참여로 ‘Feel special’과 비교할 수 없는 세련된 맛이 있으며, 멤버들의 가창은 어리숙했던 < Fancy You >와 비교해 발전한 모습을 보인다.

클린 밴딧(Clean Bandit)을 연상케 하는 ‘Rainbow’는 묵직한 베이스라인과 청량한 건반 및 보컬을 대비하여 힘찬 메시지를 효과적으로 전달한다. 라이언 전의 ‘Get loud’에선 휘파람 소리와 더불어 멤버들의 가라앉은 보컬이 차가운 무드를 조성하고, 그 흐름은 트랩 비트와 2000년대 초 신스 팝을 교배한 ‘Trick it’에서도 성공적으로 이어진다. 다만 흥을 깨는 어리숙한 랩과 ‘Trick it’ 추임새는 없는 것이 더 좋았다. 심은지가 작곡한 ‘Love foolish’는 단연 ‘시크 트와이스’의 최고 곡 중 하나.

여러 모로 부족했던 < Fancy You >를 발판 삼아 트와이스의 관성을 깨고자 노력한 모습이 들린다. 전작처럼 구성이 어설프지 않은 데다 새로운 서사를 잘 도입한 덕에, 특별한 지점은 없어도 자연스레 그룹의 새로운 전기를 그릴 수 있게 됐다. 팬덤 원스(Once)에게는 더욱 애틋할 성장 스토리다.

다만 그 변화를 주도한 인물이 박진영이라는 사실이 딜레마다. 팀 내외 이슈가 겹치며 흔들릴 수 있었던 상황을 ‘JYP 찬스’로 잘 해결했다고 볼 수 있지만, 성숙과 세련된 모습으로의 전환에 ‘Feel special’은 충분한 근거가 되지 못한다. 블랙아이드필승과 JYP의 익숙한 문법은 여기까지만. ‘Dance the night away‘나 ‘Breakthrough’ 같은 타 작곡가의 작품이 트와이스의 ‘스페셜한’ 앞날에 더 어울려 보인다.

– 수록곡 –
1. Feel special
2. Rainbow
3. Get loud
4. Trick it
5. Love foolish

6. 21:29
7. Breakthrough (Korean Ver.)

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이승환 ‘Fall To Fly 後'(2019)

평가: 4/5

이 음반에 새로움이나 재발견은 없다. 이승환은 여전히 양질의 소리샘으로 음악을 뽑아내고, 가창의 정점을 찍는 서정적인 발라드, 특유의 창법이 맴도는 거친 록 트랙, 코러스를 무겁게 담아 힘을 주는 구성의 반복까지, 앨범에는 그간 그의 작법이 여기저기 들어차 있다. 5년의 시간 차이를 두고 발매된 자그마치 정규 11집의 나머지 ‘반쪽’은 그렇게 지금까지의 이승환을 집대성한다.

그러나 이 거대한 차용에 ‘먼지’가 날리지는 않는다. 그는 이번에도 젊고 활력 넘치며 청춘의 사랑과 중년의 뭉근함을, 또한 사회 저항적 메시지를 옹골차게 들여온다.

밝은 분위기의 첫 곡 ’30년’으로 지난날을 회고하다가 이내 ‘나는 다 너야’, ‘너만 들음 돼’로 전달하는 생생하고 생기 어린 사랑의 발화는 이승환의 시선이 여전히 젊은 감각을 유지하고 있음을 보여준다. 데뷔 30년 차가 된 그는 지금까지 운동하며 세상을 본다. ‘어린 왕자’의 타이틀이 과연 과하지 않다.

전반부가 밝고 조금은 힘을 푼 채로 노래한다면 중, 후반부는 이승환 스케일의 화려함을 뽐낸다. 진면목은 ‘Do the right thing’. 나머지 반쪽이자 먼저 나왔던 정규 11집의 앞면인 < Fall To Fly 前 >의 ‘Star wars’와 상응하는 이 곡은 펑키하고 록킹하며 재즈의 자유로움과 코러스의 흥겨움으로 중무장했다.

말 그대로 ‘자본’과 ‘음악성’이 만난 좋은 예. 꼼꼼하게 채워진 사운드에 귀가 즐겁고 군더더기 없이 딱 떨어져 끝나는 마무리에 노래가 탄탄할 수밖에 없다.

마찬가지로 전작의 ‘내게만 일어나는 일’과 비슷한 흐름을 보이는 ‘10억 광년의 신호‘는 피아노와 현악기로 공고한 감성의 탑을 쌓는다. 차오르고 터트리고 벅차오르는 호흡 아래 모스부호와 같은 효과음으로 무언가의 메시지를 던지는데 이는 어렵지 않게 ‘세월호 사건’의 희생자와 피해자에게 향한다. 음악적 우회를 통한 ‘대화의 가능성’은 목소리 내기를 주저하지 않는 그가 전하는 따뜻한 위로다.

반면 ‘돈의 신‘에는 냉철한 비판이 담겨있다. 록 오페라 형식으로 동전이 떨어지는 소리 등의 은유를 장착한 이 곡은 록의 시원시원함을 경유해 과거 정권에 일갈을 날린다.

한 곡, 한 곡의 확실한 정체성은 밝음과 어두움을 두서없이 오가는 음반 구성의 단점을 상쇄한다. 기존 이승환의 대표 발라드인 ‘천일동안’, ‘어떻게 사랑이 그래요’ 풍의 ‘백야’ 이후 강렬하게 달려 나가는 ‘돈의 신‘이 배치되고, 자글자글한 사운드를 겹쳐 올리며 만든 발라드 ‘그저 다 안녕’ 이후 미니멀한 사운드의 찰랑찰랑한 기타가 중심인 ‘생존과 낭만 사이’가 이어진다.

다시 한번 이 들쭉날쭉함의 경계는 곡 단위 확실한 콘셉트와 완성도가 무마시키니 웃다가 슬프고, 설레다가 마음 아픈 진행은 매 순간 현재가 된다.

5년에 걸쳐 만들어진 정규 11집은 그래서 ‘이승환의 현재’다. 지금껏 그의 음악적 질료들로 재생산한 이 음반에는 어떤 타협도 없다. 확실하게 사랑하고, 비판하고, 노래한다. 그 와중 대중의 취향을 놓치지 않았고 무언가를 잃을까 두려워 뒤를 돌아보지도 않는다.

Fall To Fly 前 >의 첫 곡 ‘Fall to fly’가 담았던 하락의 회색빛은 청아한 목소리의 곽이안이 부른 이번 < Fall To Fly 後 >의 끝 곡 ‘Fall to fly’로 맑고 빛나는 ‘비상을 위한 추락’의 서사를 완성했다. 매끈하고 단단하다. 여기에 30년의 세월은 빛 바란 추억이 아닌 지금의 순간일 뿐. 이승환은 살아있다.

– 수록곡 –
1. 30년
2. 나는 다 너야
3. 너만 들음 돼 (Feat. 스텔라 장)
4. 그저 다 안녕
5. 생존과 낭만 사이
6. Do the right thing
7. 10억 광년의 신호
8. 백야

9. 돈의 신
10. Fall to fly (Feat. 곽이안)